Архив автора: estks

Комплексное изучение художественного творчества

КОМПЛЕКСНОЕ ИЗУЧЕНИЕ ХУДОЖЕСТВЕННОГО ТВОРЧЕСТВА системное исследование проблем искусства, возникшее в русле свойственных современной науке дисциплинарных связей. Определяющим в развитии всех областей научных знаний и практики в последние годы стало выдвижение общих принципов комплексности и взаимосвязи наук.

Новые возможности для плодотворных исследований как общетеоретического фундаментального, так и прикладного характера открываются на стыке различных наук, в частности, естественных и общественных. Их следует использовать в полной мере.

По отношению к художественному творчеству комплексный, междисциплинарный подход способствует разностороннему освещению ряда актуальных проблем, расширению представлений о закономерностях искусства, сопоставлению различных явлений художественной культуры, а также ее функционированию в обществе. При этом используются в соответствии с теми или иными конкретными задачами соответствующие средства и методики различных научных областей прежде всего гуманитарных (эстетики, литературоведения, искусствознания, истории, психологии, языкознания, этнографии и др.), а также в меру целесообразности естественных и математических. При этом учитывается, что возможности и границы дисциплин различны. При любых их сочетаниях необходим постоянный учет специфики художественного творчества, его социальной природы, поэтому здесь ведущими являются эстетика, искусствознание, литературоведение. Средства и методики естественных наук используются для анализа физиологических предпосылок творчества, материального субстрата, «механизмов» процессов творчества и восприятия. Определенный вклад в подготовку такого изучения внесли виднейшие физиологи II. П. Павлов, И. М. Сеченов, А. Д. Ухтомский, В. М. Бехтерев. В комплексном изучении художественного творчества важную роль играет кибернетика с ее возможностями рационализации особенно трудоемких операций труда ученых — информационных поисков, помощью текстологии и т. д. Применение кибернетики в изучении художественного творчества имеет конкретные результаты в архитектуре при конструировании, в кинематографии при создании мультипликационных фильмов и в развитии новых видов искусства — свето и электронной музыки.

Отдельные попытки междисциплинарных связей при изучении искусства (в частности, эстетики, психологии и физиологии) имелись в прошлом, однако без методологического обоснования и зачастую на почве позитивистских и идеалистических трактовок природы творчества. Лишь в наше время, с развитием методологии изучения искусства возникла возможность комплексного исследования малоизученных проблем художественного творчества. Назовем некоторые из них: процесс создания и восприятия художественного произведения; взаимосвязь научного и художественного мышления; влияние научно-технического прогресса на искусство; взаимосвязь различных видов художественного творчества и др. Комплексная разработка этих проблем связана с практическими задачами повышения мастерства деятелей искусства эффективности эстетического воспитания воздействия художественных произведений на читателей, зрителей» слушателей и т. д.

Начало комплексного изучения художественного творчества как научного направления было положено Первым Всесоюзным симпозиумом по этой проблеме (Ленинград, февраль 1963 г,) с участием философов, эстетиков, литературоведов, искусствоведов, социологов, историков психологов, лингвистов, физиологов, кибернетиков, математиков, а также практиков искусства.

В ходе развития комплексного изучения художественного творчества первостепенное значение имеют вопросы методологии системного подхода. В свете этого подхода искусство может быть рассмотрено в качестве иерархической системы высокой сложности и, в частности, в качестве взаимосвязанных звеньев динамического процесса художественного творчества, в единстве генетическом и функциональном. Если до сих пор изучались лишь отдельные этапы процесса творчества, к тому же изолированно друг от друга, то комплексный подход позволяет с большей полнотой раскрыть закономерности творческой деятельности и художественного восприятия.

Дальнейшее развитие комплексного изучения художественного творчества требует содружества наук, укрепления союза ученых, исследующих творчество, с практиками искусства, а также разработки методологии анализа современных проблем искусства.

Комическое

КОМИЧЕСКОЕ (от греч. komikos — смешной) — одна из основных эстетических категорий, отражающая жизненные явления, характеризующиеся внутренней противоречивостью, несоответствием между тем, чем они являются по существу, и тем, за что они себя выдают. Это несоответствие Н. Г. Чернышевский определил как выражение «пустоты и ничтожества, прикрывающегося внешностью и имеющего притязание на содержание и реальное значение». Это может быть несоответствие цели и средства, усилий и результата, возможностей и претензий в действиях людей и т. д.

В комическом отображаются социальные явления, образ жизни, деятельности, поведения людей и т. д., которые находятся в противоречии с объективным ходом истории, с передовыми общественными идеалами, поэтому они оцениваются отрицательно и достойны осмеяния. Комическое, таким образом, является специфической формой раскрытия и оценки общественных противоречий. Оттенки комического крайне многообразны: юмор, ирония, сатира, сарказм. Комическое встречается практически во всех видах искусства, реализуясь в различных жанрах: комедия, сатира, пародия, эпиграмма, фарс, карикатура, шарж. В комическом сконцентрирован многообразный опыт общественного сознания, осваивающего и познающего мир со стороны его негативных проявлений, в особенности мир социальный, в соотношении с общепринятыми нормами и ценностями.

Комическое как феномен культуры имеет конкретно-исторический характер. Комедия развилась из различных ритуальных действий, народных обычаев и празднеств, из тех игровых сценок с использованием песен и включением тем из повседневной жизни, которыми сопровождались древние культы. Вершиной развития античной комедии является творчество Аристофана. Его комедии носят гротескный, буффонадный и нередко фантастический характер. По своему содержанию это памфлеты на политические, на литературные или нравственные сюжеты. В «Облаках», например, уничтожающим и остроумным насмешкам подвергается Сократ, вся философия софистов. Расцвет комического искусства Рима связан с именами Плавта и Теренция. Римская комедия в значительной степени теряет политическую остроту своего греческого образца. Писались комедии и на местные темы, была распространена пантомима. Сатира в Риме, наряду с эпиграммой, становится излюбленным комическим жанром. В средние века были распространены простонародные формы комического искусства: моралите, фарс. Эти пьесы исполнялись бродячими актерами, были насыщены импровизацией, комические ситуации были относительно постоянными и строились на обмане, хитрости, мистификации. В Италии такой характер носила комедия дель арте, в Германии — шванки, в России сходную роль играли скоморохи. Жонглеры, шпильманы, скоморохи, потешники — основные герои средневековых маскарадов, карнавалов, праздничных процессий (праздника дураков во Франции, «корабля дураков» в Англии и т. п.). Эпоха Возрождения придала комическим жанрам большее разнообразие, глубину, признала их законность как культурного явления, сняв с них ограничения и запреты со стороны официальной религии. Шекспир и Бен Джонсон в Англии; Сервантес, Лопе де Вега, Кальдерон в Испании; Рабле во Франции и др. все они уже не ограничиваются поверхностным осмеянием отдельных явлений повседневной жизни, а создают образцы комического искусства в современном смысле слова. Каждый из этих образцов воплощает свой особый оттенок комического.

Новый этап в развитии комического искусства представляет комедия эпохи классицизма, которая противопоставлялась трагедии, но, как и последняя, подчинялась строгим нормам. Эта нормативность, однако, не помешала Мольеру создать свои шедевры. Творчество Бомарше знаменует поворот в истории комического, обращение к комическому искусству восходящего класса буржуазии. Россия XVIII—XIX вв. необыкновенно богата комическими талантами: Фонвизин, Грибоедов, Гоголь, Островский, Салтыков-Щедрин, Достоевский, Сухово-Кобылин и др. Непревзойденным образцом по глубине воздействия, разнообразию и тонкости оттенков и переходов от комического к серьезному может быть названо искусство Гоголя. В изобразительном искусстве особое распространение получили карикатура, шарж, использующие гротеск, преувеличение. Многие видные художники работали в этом жанре: Ф. Гойя, О. Домье, Ж. Эффель, X. Бидструп, Кукрыниксы и др.

Параллельно с искусством комического развивались и соответствующие эстетические теории. Для Аристотеля «смешное есть некоторая ошибка и уродство, но безболезненное и безвредное». Однако позднейшая античная комедия выходит за рамки этого определения. В средневековой Европе комическое отрицательно оценивается официальной церковной идеологией и вытесняется в народную «карнавальную» культуру. Эстетические теории Возрождения подчеркивают момент удовольствия от комического, его объективный характер. Классицизм (Буало) превратил высказывания Аристотеля в каноны. Мыслители Просвещения (Дидро, Лессинг и др.) выступали против жесткого разделения жанров по этому основанию, за демократизацию искусства и за его нравственное воздействие на зрителя Немецкая классическая философия существенно углубила понимание комического. Кант определял смех как «аффект от внезапного превращения напряженного ожидания в ничто». Гегель впервые в истории философии дал объяснение, почему тот или иной жанр расцветает в определенную эпоху, а затем угасает или канонизируется. Наиболее широкой категорией для него было «смешное», т. е. все, что может вызвать смех. Комическое он относил только к аристофановской комедии, в которой дух свободно царит над противоречиями действительности. Сатира, по Гегелю, находит свое настоящее место в прозаическом Риме, где царит дух абстракции и мертвого закона. Случайность субъективности, раздутой до уровня важнейших целей, принимаемых субъектом всерьез, такова основа комического контраста, по Гегелю.

К. Маркс применял категорию комического в оценке некоторых явлений и даже целых периодов исторического процесса: «История действует основательно и проходит через множество фазисов, когда уносит в могилу устаревшую форму жизни. Последний фазис всемирно-исторической формы есть ее комедия… Почему таков ход истории? Это нужно для того, чтобы человечество весело расставалось со своим прошлым».

Еще в категории комическое: Пародия, Ирония, Смешное, Юмор

Колорит

КОЛОРИТ (от лат. color — цвет) — в изобразительном искусстве средство художественного отображения действительности, выступающее как система гармонических цветовых соотношений отражающих красочное многообразие окружающего мира. Колорит обладает большими возможностями эмоционально-образного воздействия. Так, напряжение и драматизм картины А. Дейнеки «Оборона Севастополя» обусловлены не только сюжетом но и тем психологическим, эмоциональным воздействием колорита, цветового строя произведения, который как часть формы неразрывно, диалектически связан с идейно-смысловым ее значением и всем содержанием этого произведения. Мажорное чувство, ощущение безмятежного покоя возникает от цветового строя картины А. Пластова «Сенокос», 1945 г.

Являясь мощным инструментом эстетического освоения действительности, колорит подчинен основной идейно-образной задаче произведения, а также зависит от индивидуальных склонностей художника, особенностей его мастерства. На колористический строй произведений искусства нередко оказывают воздействие изобразительная, а также общая художественная культура эпохи (колорит произведений Д. Левицкого, С. Щедрина, В. Сурикова, М. Врубеля, С. Герасимова). Однако колористические достижения прежде всего обусловливаются убедительностью и правдивостью художественных образов, верностью их цветового отображения реальной действительности.

Коллизия

КОЛЛИЗИЯ (лат. collisio — столкновение) — в искусстве противоборство человеческих характеров, идей, страстей, интересов. Коллизия близка к конфликту, представляющему собой острой и открыто выраженную коллизию, но является более общих понятием.

Коллизия в художественных произведениях является воспроизведением, формой отражения глубокой диалектики жизни, сложностей, противоречий, разногласий в самой действительности, в социально-экономических, идеологических и духовных отношениях между людьми. Таковы коллизии в романах Л. Н. Толстого «Анна Каренина», «Воскресение» и Ф. М. Достоевского «Братья Карамазовы», «Преступление и наказание».

Впервые в эстетике коллизия была рассмотрена Аристотелем на примере античной трагедия и комедии, как действие важное, напряженное и законченное; затем Лессингом в «Гамбургской драматургии», Дидро в статье «О драматической литературе». Белинский видел в коллизии поэтический элемент жизни, столкновение враждебно направленных друг против друга идей, которые проявляются как страсть, как пафос.

Гегель разграничил понятие ситуации, имеющей место в идиллических описаниях, и коллизиях возникающей всегда вследствие расширения и углубления противоречия «как исходный пункт— и переход к действию в настоящем смысле этого слова». Всякая коллизия — следовательно, драматична в своей сущности. Она может быть противоборством различных характеров (трагедии Шекспира), столкновение героя с социальной средой (Григорий Мелехов в «Тихом Доне» М. Шолохова), борьбой человека со стихийными силами природы («Последний день Помпеи» К- Брюллова, «Старик и море» Э. Хемингуэя), движением мучительных переживаний («И скучно, и грустно…». «Дума» М. Ю. Лермонтова).

Степень драматического напряжения коллизии — бывает различной и может доходить до наивысшего эмоционального напряжения и трагического конца, когда гибнет герой и разрешение коллизии означает полную ее неразрешимость. В искусстве находит отражения и т. наз. «вечные» коллизии — неразделенной любви, несчастной семьи, преданной дружбы и т. д.. и коллизии порождаемые данным временем, эпохой, классом (судьбы «лишних» и «маленьких» людей в русской литературе). Коллизия в советском искусстве выступала идейным стержнем произведения, двигателем сюжета, способом художественного раскрытия характеров («Хождение по мукам» А. Н. Толстого, «Живи и помни» В. Распутина, «Выбор» Ю. Бондарева).

Классовость искусства

КЛАССОВОСТЬ искусства — отражение в художественном творчестве интересов и устремлений классов. Основа классовости— связь искусства с жизнью. Представляя собой социальное явление, искусство художественно отражает идейное содержание жизни общества (см. Идейность искусства). Поскольку художник, создающий произведение искусства, живет и действует в определенных социальных условиях, его творчество всегда целенаправленно, т. е. тенденциозно (см. Тенденциозность искусства). Характер и содержание этой направленности определяется тем, интересы каких классов находят выражение в этом искусстве. История искусства, начиная с эпохи рабовладения и до сегодняшнего дня, представляет собой яркую картину активного участия художников всех эпох в идейной борьбе своего времени на стороне различных классов.

Классовость преломляется в искусстве сквозь призму нравственных, философских, религиозных и других идей и представлений. Идейные устремления классов в искусстве проявляются не в абстрактной, понятийной форме, а через систему художественной образности. Следует иметь в виду также жанровые особенности искусства, создающие для этого различные возможности. Роман, опера, кинофильм, спектакль и другие жанры, использующие специфический язык искусства, способны наиболее адекватно выражать идейно-классовое содержание. Симфоническая музыка, пейзаж, натюрморт и другие жанры искусства обладают иными возможностями, и связь их с классовыми интересами эпохи более сложная. Однако во всех случаях эта связь существует. В классовом обществе бесклассового или надклассового искусства нет и быть не может, т. к. «жить в обществе и быть свободным от общества нельзя» (В. И. Ленин)

Классовость искусства не всегда проявляется в ясно осознанной форме. Художественное творчество всегда классово, но это может не осознаваться художником в полной мере. Ярчайший пример этому Л. Н. Толстой, творчество которого В. И. Ленин назвал зеркалом русской революции, но который революции явно не понял, от которой он явно отстранился. Но «если перед нами действительно великий художник, то некоторые хотя бы из существенных сторон революции он должен был отразить в своих произведениях» (В. И. Ленин). Для выявления подлинного места художника и роли его творчества в идейной борьбе нужен конкретно-исторический анализ.

Классовость искусства становится осознанной в периоды острой классовой борьбы. Возникает партийность искусства. Классики марксизма очень высоко ценили поэтов эпохи революции 1848 г.— Ф. Фрейлиграта, Г. Гейне, Г. Веерта и др., которые служили революции, пробуждая в пролетариате чувство протеста против капиталистического гнета, призывая его к объединению и борьбе. Советские художники, начиная с М. Горького, творят с полным осознанием исторической перспективы и своего места в общей борьбе за переустройство общественной жизни. В искусстве социалистического реализма, следовательно классовость органически переплетается в партийность объективные условия творчества и субъективные устремления художника совпадают на основе полной осознанности места и роли художественного творчества в идейной борьбе.

Классовость искусства социалистического реализма определяет его непримиримость по отношению к буржуазному искусству. Борьба за претворение прогрессивных идей против античеловечности современного буржуазного искусства характеризует социалистическое искусство как выразителя общечеловеческих идеалов. Классовое органически сливается с общечеловеческим и по мере продвижения к коммунизму социалистическое искусство будет приобретать все более общенародные, общечеловеческие черты.

Классицизм

КЛАССИЦИЗМ (от лат. classicus — образцовый) — направление в литературе и искусстве конца XVII — начала XIX в. Классицизм возник и сложился как художественный стиль и направление во Франции в XVII в., отразив форму и содержание культуры французского абсолютизма.

Эстетическая теория классицизма нашла наиболее полное выражение в «Поэтическом искусстве» Н. Буало (1674), в «Начальных правилах словесного искусства» Ш. Баттё (1747), в доктринах французской Академии и др. Характерными чертами эстетики классицизма — является ее нормативность, стремление к установлению строгих правил художественного творчества, а также регламентация эстетических критериев оценок художественного произведения. Художественно-эстетические каноны классицизма четко ориентированы на образцы античного искусства:

klassicizm_zhak_lui_david

перенесение тематики сюжетов, характеров, ситуаций из арсенала античной классики как нормы и художественно-эстетического идеала, наполнение их новым содержанием.

Философской основой эстетики классицизма — явился рационализм (особенно Декарта), идеи о разумной закономерности мира. Отсюда вытекают и идейно-эстетические принципы классицизма : логичность формы, гармоническое единство созданных в искусстве образов, идеал прекрасной, облагороженной природы, утверждение идеи государственности, идеального героя, решение конфликта между личным чувством и общественным долгом в пользу долга. Классицизм свойственны иерархия жанров, деление их на высшие (трагедия, эпос) и низшие (комедия, басня, сатира), установление трех единств — единства места, времени и действия в драме. Ориентация искусства классицизма на ясность содержания, четкую постановку социальных проблем, этический пафос, высоту гражданского идеала делала его социально значимым, имеющим большое воспитательное значение. Классицизм как художественное направление не умирает вместе с кризисом абсолютной монархии во Франции, а преобразуется в просветительский классицизм Вольтера, а затем в республиканский классицизм эпохи Французской буржуазной революции (Ж. Давид и др.).

Классицизм нашел отражение во всех видах и жанрах искусства: в трагедии (Корнель, Расин), комедии (Мольер), басне (Лафонтен), сатире (Буало), прозе (Лабрюйер, Ларошфуко), в театре (Тальма). Особенно значительны и исторически продолжительны достижения искусства классицизма в архитектуре (Ардуэн-Мансар, Габриель и др.).

В России эстетика и искусство классицизма получили распространение в XVIII в. Эстетика русского классицизма нашла отражение в трудах Феофана Прокоповича («Пиитика» — 1705 г.), Антиоха Кантемира («Предисловие к переводу писем Горация» и др.), В. К. Тредиаковского («Слово о премудрости, благоразумии и добродетели», «Рассуждение о комедии вообще» и др.), М. В. Ломоносова («Посвящение к „Риторике”», «О нынешнем состоянии словесных наук в России»), А. П. Сумарокова (критические статьи в журнале «Трудолюбивая пчела», сатира «О благородстве», «Епистола его императорскому высочеству государю великому князю Павлу Петровичу в день рождения его 1761 года сентября 20 числа» и др.).

В одах М. В. Ломоносова, Г. Р. Державина, трагедиях А. П. Сумарокова, Я. Б. Княжнина, театральной деятельности Ф. Г. Волкова, И. А. Дмитревского, живописи А. П. Лосенко, архитектуре В. И. Баженова, М. Ф. Казакова, А. Н. Воронихина, скульптуре М. И. Козловского, И. П. Мартоса оформились принципы классицистской эстетики, преобразованные на русской почве, наполненные новым национальным содержанием. Определенной трансформацией принципов классицизма — является ампир (см. Ампир).

Классическое искусство

КЛАССИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО (от лат classicus — образцовый)— 1) античное искусство периода высшего расцвета греческой демократии (VI—V вв. до н. э.), 2) непреходящая эстетическая ценность, имеющая мировое значение и являющаяся шагом вперед в художественном развитии человечества. Понятие классическое искусство возникло в эпоху Возрождения, когда античное искусство времени Перикла принимается как абсолютная эстетическая норма. В последующие века к этому эталону присоединяется творчество великих мастеров Возрождения (Рафаэля, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Тициана). Постижение законов искусства, художественных форм и канонов, выдвинутых великими художниками античности и Возрождения, шло параллельно с изучением философско-эстетических идей и идеалов античности. Величайшими представителями классического искусства Древней Греции были признаны Гомер, скульпторы Мирон, Поликлет, Фидий, Скопас, архитекторы Иктин и Калликрат, живописец Полигнот, драматурги Эсхил, Софокл и Эврипид. Греки создали высочайшее искусство, с которым сравниваются все достижения последующих эпох. Источником классического искусства Древней Греции являлась, греческая мифология, т. е. «природа и сами общественные формы, уже переработанные бессознательно — художественным образом народной фантазией». Высшей степени совершенства греки достигли в области архитектуры, поэзии и пластических искусств. Принцип меры, гармонии содержания и формы, идеальной соразмерности частей и целого, благородная простота композиции, языка и стиля делали античное искусство недосягаемым образцом.

Классическое искусство утверждает идею красоты и гармонии мира, веру в совершенство человеческой личности, безграничные возможности разума. Человек — мера всех вещей, величайшая ценность. Классическое искусство несет эстетические идеалы своей эпохи в проекции их на будущее, вскрывает коренные противоречия, обнажает социальные контрасты, «вопли и страдания современности» (Белинский), стремясь показать всю полноту проявления жизни, все духовное богатство, достигнутое в данный момент исторического развития. Классическое искусство тяготеет к широким обобщениям, глобальным проблемам общечеловеческого содержания и рассматривает их с прогрессивных позиций своего времени. Таковы творения Рафаэля, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Шекспира, Пушкина, Л. Толстого, Бетховена, Чайковского и т. д.

Кич

КИЧ (нем. Kitsch) — пошлость, безвкусица в литературе и искусстве. В развитии кича выделяются два периода. Первый связан с формированием буржуазного сознания, когда кич отражал стремление обывателя к украшательству, к «завитушкам», показной пышности интерьера и одежды.

Второй (неокич), расцветший на Западе в 60—70-е гг. ХХ века, связан с культом вещей в «обществе потребления». Для западного обывателя характерна тяга к полному комфорту не только в быту, но и в искусстве, стремление к жизни «напоказ», что неизбежно сказывается на эстетических вкусах. Творцы кича сохраняют лишь внешние приметы жизни, но с таким расчетом, чтобы случайное казалось обычным, а невероятное — вполне возможным. Отсюда — многочисленные модификации историй Золушек мужского и женского пола, королей «Шантеклера», неизвестных женщин, энергичных парней, становящихся миллионерами.

Жизнь в этих произведениях псевдоискусства предстает лишенной теневых сторон, острых социальных конфликтов и любой мало-мальски серьезной критики недостатков или, тем более, пороков общества. Цель его — воспитание конформистского сознания нерассуждающего человека, апологета существующего порядка. Даже в тех случаях, когда в фильмах, книгах, телепостановках поднимаются злободневные политические и социальные проблемы, они никогда не затрагивают противоречий буржуазного общества. Являясь частью буржуазной «массовой культуры», в которой существуют разные художественные уровни, кич — выступает как аналогия конформизма, подмена реальности иллюзиями, манипулирование неразвитым сознанием.

Кинематограф

КИНЕМАТОГРАФ (от греч. kinema — движение, grapho — пишу), возникший в конце XIX в. (годом рождения кино принято считать 1898 г., когда в Париже в кафе братьев Люмьер были впервые продемонстрированы кадры движущейся фотографии — прообраз будущего искусства кино), долгое время считался техническим аттракционом, служащим для развлечения. В начале XX в. стали появляться игровые художественные фильмы. Первоначально кинематограф был немым, незвуковым, содержание кинофильмов излагалось в надписях, их демонстрация сопровождалась, как правило, музыкой специально нанимаемых кинотеатрами для этой цели аккомпаниаторов — таперов. В общем потоке кинопродукции, подавляющее большинство которой составляли приключенческие фильмы, сентиментальные истории, мелодрамы, картины псевдоисторического содержания, эксцентрические кинокомедии, начинают появляться и серьезные работы на добротной литературной основе, в том числе экранизация классиков. Выдвигается ряд больших мастеров: Д. Гриффит, Ч. Чаплин в США, М. Линдер во Франции, Я. Протазанов, С. Эйзенштейн в России.

С возникновением звукового кино (конец 20-х — начало 30-х гг.) отчетливо стал выявляться коллективный характер кинотворчества, синтетическая природа киноискусства. Усиливается роль первоосновы фильма — литературного киносценария. Художник выстраивает единую изобразительную панораму фильма, композитор при помощи музыки выявляет эмоциональный строй фильма, ритмически подчеркивает характер действия. Возрастает и роль кинооператора: он разрабатывает композицию как кинофильма в целом, так и его отдельных кадров, вместе с режиссером определяет характер съемки (ускоренная или замедленная), использование различных планов (крупного, общего, среднего), дает портретную характеристику героев фильма. Большие требования предъявляются и к киноактерам: от их мастерства в значительной степени зависит общий художественный уровень фильма. На особое место выдвигается фигура кинорежиссера — руководителя и организатора творческого процесса и, по существу, главного автора фильма. Он определяет идейно-художественный строй фильма, направляет работу кинооператоров, художников, композиторов, актеров. Именно открытия в кинорежиссуре (Д. Гриффит считается в истории кино создателем крупного плана, С. Эйзенштейн — монтажа) определяли характер развития кинематографа.

Своеобразие кино, как вида искусства, состоит и в том, что оно тесно связано с развитием техники. Однако технические изобретения сами по себе, механически, никогда не обеспечивали появления искусства. Так, кадр в качестве технической основы кинообраза представляет собой всего лишь снимок на кинопленке, на котором зафиксирована одна из фаз движения или статического положения объектов съемки. Однако художник, вооруженный кинокамерой, отражает в кадре не только границы видимого пространства, но сообразно идее фильма и художественным задачам, стоящим перед ним, строит композицию кадра, находит необходимый характер тонального и колористического решения, ракурс, с которого надлежит снять данный кадр. Точно так же и монтаж менее всего напоминает техническое действие (хотя он прежде всего является таковым) соединения отснятых кадров; он являет собой сложный творческий процесс по отбору соединению во временной, идейно-эмоциональной последовательности имеющегося киноматериала — процесс, в котором наибольшей силой выявляется уровень художественного мышления создателя фильма.

Развитие техники постоянно расширяет возможность кинематографа; так, в наше время фильмы снимаются не только для демонстрации на обычном экране, существует широкоформатное кино, стереофильм. В недалеком будущем вполне возможно появление голографического кино. Разнообразие кинопродукции диктует и появление высокоорганизованной технической базы, необходимой для создания и демонстрации фильмов: вследствие этого кинематограф становится особой отраслью промышленности и торговли. В развитых странах киноиндустрия сосредоточивается в руках многополитического капитала, который, исходя из идеологических и коммерческих соображений, стремится превратить кинематограф в средство пропаганды буржуазных идей. Прогрессивные кинематографисты мира противостоят этим тенденциям, утверждая в своих произведениях гуманизм, передовые общественные идеалы.

Современный кинематограф дифференцируется на три основных вида: художественная (игровая) кинематография, воплощающая средствами исполнительского искусства произведения кинодраматургии художественной прозы, театральной драматургии; документальная кинематография — особый вид образной публицистики, запечатленный непосредственно на кинопленку (к этому виду примыкает и научно-популярная кинематография, использующая возможности документального кино для пропаганды научных знаний) ; мультипликационная кинематография, где образы создаются съемкой неподвижных последовательных фаз движения рисованных (графическая мультипликация) или кукольных (объемная мультипликация) персонажей.

Искусство кино характеризуется также большим разнообразием жанров (кинодрама, киноповесть, кинокомедия, музыкальная комедия — в художественном кинематографе, мультфильм, кукольный фильм — в мультипликационном кино, репортаж — в документальном и т. д.). В отличие от ранних этапов развития кино, когда жанры четко разграничивались, в современном кино выявляется тенденция к их сближению, слиянию, взаимопроникновению.

История мирового кино свидетельствует о последовательном совершенствовании этого вида искусства, усилении его художественного воздействия на массы. В 30-е гг., используя возможности звукового кино, прогрессивные кинематографисты Ч. Чаплин, Р. Клер вели борьбу за утверждение реализма в искусстве. В послевоенном кино национальные кинематографии внесли свой вклад в развитие мирового киноискусства. Одними из самых значительных в этом плане являются достижения итальянского киноискусства 40-х — первой половины 50-х гг., связанные с развитием неореалистического направления. В центре внимания мастеров неореализма (Р. Росселини, П. Джерми, Л. Висконти, В. де Сика, Дж. де Сантис) жизнь трудового народа, простого человека в трудных условиях послевоенной Италии. В мировом киноискусстве выделяются также лучшие фильмы т. наз. «новой волны» во Франции (Ж. Трюффо) конца 50-х — начала 60-х гг., отдельных прогрессивных мастеров кино США (С. Креймер), Японии (А. Куросава) и др.

Киноискусство

КИНОИСКУССТВО — вид синтетического искусства, в котором при помощи технических средств (кинокамера, освещение, звуковое оснащение и т, д.) в процессе съемки создаются изобразительно-выразительные, развивающиеся во времени и пространстве художественные образы.