ХОРЕОГРАФИЯ (от греч. choreia — пляска, grapho — пишу) — первоначально, по своей этимологии, этот термин обозначал запись танца. С конца XIX в. стал применяться для обозначения танцевального искусства в целом, во всех его разновидностях. Искусство хореография основано на музыкально-организованных, условных, выразительных движениях человеческого тела. Зачатки образной выразительности свойственны человеческой пластике уже в реальной жизни. В том, как человек движется, жестикулирует, действует и пластически реагирует на действия других, выражаются особенности его характера, строя чувств, своеобразие личности. Такие «говорящие» характерно-выразительные элементы, рожденные в реальной жизни, принято называть пластическими интонациями или мотивами. В них коренятся истоки образной природы хореографии. Она основана на том, что характерно-выразительные пластические мотивы отбираются из множества реальных жизненных движений, обобщаются и организуются по законам ритма и симметрии, орнаментального узора, декоративного целого, опираясь на музыку. Хореографическое искусство изначально синтетичное, ибо вне музыки, усиливающей выразительность танцевальной пластики, дающей ей эмоциональную и ритмичную основу, оно не существует. Вместе с тем хореография зрелищное искусство, где существенное значение приобретает не только временная, но и пространственная композиция танца, зримый облик танцующих (отсюда — роль костюмов, изобразительного оформления и т. п.). Высшая форма хореографии — балет является одновременно и разновидностью музыкального театра.

Искусство хореографии зародилось в глубокой древности. Уже в первобытную эпоху возник танец как непосредственное выражение радости людей по поводу успешного завершения их трудовой или военной деятельности. Он был основан на воспроизведении движений соответствующих родов деятельности, имел первоначально религиозно-магическое значение, был неотделим от обрядов. В классовом обществе произошло разделение танца на народный и профессиональный. Народный танец долгое время сохранял связь с трудовыми процессами, языческими и бытовыми обрядами (танцевальные пантомимы в Древнем Китае и Индии, древнегреческие дионисийские игры, русские масленичные игры и т. д.). В нем находили выражение чувства народа, особенности его национального характера, отражались различные стороны его жизни. Постепенно теряя прямую связь с трудом и обрядом, танец приобрел значение искусства, воплощающего красоту тела, различные состояния человеческого духа. Уже в античности существовал профессиональный танец в качестве зрелища, аналогичного театральному. С конца XVI в. начал формироваться балет, сначала существовавший в виде интермедий в оперных и драматических представлениях мифологического характера, а в XVIII в. выделившийся в самостоятельное искусство. На протяжении всей своей истории профессиональное искусство хореографии опиралось на народный танец, заимствовало и претворяло многие его элементы.

В современной хореографии различается танец бытовой (народный и бальный) и сценический (эстрадный и балет). В балете хореография является центром синтеза искусства, органически объединяя в себе музыку и театр. Основой хореографического действия в балете является танец, воплощающий события сюжета, состояния и характеры действующих лиц. Подчиненное значение имеет пантомима, которая может, как составлять основу отдельных эпизодов, так и включаться в танец. Различается танец классический и характерный, а в пределах каждого из них — сольный, ансамблевый и массовый (танец солистов, корифеев и кордебалета). Нередки сочетания и взаимопереходы всех этих разновидностей танца. Основу балета составляет действенный танец (развивающий действие), но нередко в балет включается также дивертисмент (характеризующий среду, фон действия).

Лучшие балеты классического наследия: «Жизель» и «Корсар» А. Адана, «Баядерка» и «Дон-Кихот» Л. Минкуса, «Коппелия» Л. Делиба, «Эсмеральда» Ц. Пуни, «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик» П. Чайковского, «Раймонда» А. Глазунова и др.— бережно сохраняются на сценах театра. Их хореография создана М. Петипа, Л. Ивановым, А. Горским и др. выдающимися балетмейстерами прошлого. Успехи советского балета связаны с деятельностью балетмейстеров Ф. Лопухова, К. Голейзовского, В. Тихомирова, В. Вайнонена, Р. Захарова, Л. Лавровского, В. Чабукиани, Л. Якобсона, Ю. Григоровича и др. Этапное значение в развитии советского балета имели спектакли «Красный мак» Р. Глиэра, «Пламя Парижа» и «Бахчисарайский фонтан» Б. Асафьева, «Ромео и Джульетта» и «Каменный цветок» С. Прокофьева, «Спартак» А. Хачатуряна, «Ангара» А. Эшпая и др. Советский балет прославило творчество исполнителей М. Семеновой, Г. Улановой, О. Лепешинской, Н. Дудинской, М. Плисецкой, К. Сергеева, А. Ермолаева, В. Васильева, М. Лавровского и др. Важнейшее значение в советской хореографии имеют также ансамбли народного танца, существующие во всех республиках (наиболее известен Государственный ансамбль народного танца СССР, руководимый И. Моисеевым).

ТВОРЧЕСТВО КОЛЛЕКТИВНОЕ — создание целостного художественного произведения большим или меньшим коллективом одаренных людей.

Коллективным по своему характеру было всегда народное художественное творчество длительный процесс создания словесно-музыкально-хореографических форм искусства: героического эпоса, сказок, плясок, песен, частушек, припевок. Это живой, непрекращающийся и обновляющийся процесс, в котором достигалось единство массового и личностного творчества. Состояло оно из первоначальных импровизаций, многократной шлифовки произведения, отбора всего художественно совершенного.

В коллективном творчестве, представленном в фольклоре, проявляется художественный гений каждого народа. Коллективные формы творчества обусловлены природой многих видов, жанров искусства синтетических, исполнительских, каковы театр, опера, балет, кино, а также хоры, оркестры, танцевальные ансамбли и т. д. Здесь само создание художественного произведения предполагает участие большого количества исполнителей, включая многих вспомогательных работников. Специфично в таком коллективном творчестве то, что оно формируется на основе единого художественного замысла режиссера, дирижера, хормейстера, постановщика и осуществляется под их непосредственным руководством и управлением. Цель при этом состоит в том, чтобы, создавая единое художественное произведение, каждый исполнитель мог наилучшим образом проявить свою творческую индивидуальность. Организуются временные творческие коллективы для решения одной к.-л. крупной художественной задачи группа скульпторов во главе с Е. В. Вучетичем, создавшая мемориальный ансамбль в Волгограде, и др. Существуют и формы длительного равноправного содружества художников. Плодотворное коллективное сотворчество развивают много десятилетий Кукрыниксы (М. Куприянов, П. Крылов, Н. Соколов). Однако форма т. наз. «бригадного» создания живописных картин оказалась не эффективной, не прижилась, за исключением творчества студии военных художников им М. Грекова. Широкое распространение коллективное творчество нашло в художественной самодеятельности.

СИНТЕЗ ИСКУССТВ (от греч. synthesis — соединение, сочетание) — объединение различных видов искусства в рамках единого художественного произведения. Существует группа искусств, которые по природе своей являются синтетическими. Это все пространственно-временные, или зрелищные, искусства (театр, кино, телевидение, эстрада, цирк). В них объединение средств различных искусств происходит на основе творчества актера, сценического действия (в документальных жанрах — реального жизненного события, действия или лица). Проблема синтеза здесь выступает как проблема художественной целостности, органического единства того или иного произведения. Но, помимо зрелищных искусств, где синтез принадлежит самой природе художественного творчества и происходит как бы внутри данного вида искусства, существует также синтез как объединение различных искусств в единый ансамбль, или художественное целое. Таков синтез литературы и изобразительного искусства (художественно-иллюстративные издания), литературы и музыки (песня и др. вокальные жанры), а также имеющий особенно широкое значение синтез пластических искусств (архитектуры, изобразительного и декоративно-прикладного искусства), направленный на эстетически целостное формирование окружающей среды. В каждой из этих групп синтеза существуют свои творческие проблемы. Так, в книжной иллюстрации главной является проблема изобразительного воплощения характеров героев и узловых событий действия литературного произведения, а также целостности художественного оформления книги в единстве всех ее компонентов (иллюстраций, обложки, заставок, шрифта и т. д.). В вокальной музыке стоит задача обобщенного воплощения идей и эмоционального строя поэтического текста в единстве с ее конкретными образными элементами. В синтезе пластических искусств главной является задача целостного художественного ансамбля, подчиненного единой идее как в рамках отдельного сооружения, так и в их комплексе, вплоть до художественно-осмысленного решения целых городов.

При объединении искусств каждое из них вносит в синтетическое целое свой вклад, обогащает это целое присущими данному искусству специфическими возможностями и чертами. Вместе с тем, входя в синтетическое целое, каждое из искусств так или иначе приспосабливается к другим и к целому, приобретает особые черты, в которых у него не было необходимости при обособленном существовании. Поэтому синтез — не механический конгломерат отдельных искусств, и он не сводим к их простой сумме. Синтез искусств — это органическое художественное целое, обладающее новым качеством по отношению к каждому входящему в него искусству.

При синтезе пластических искусств его основой являются те реальные процессы человеческой жизнедеятельности (труда, быта, общественных событий и т. д.), для протекания и пространственного оформления которых создается архитектура. С учетом характера и развертывания этих процессов она включает в себя также монументально-декоративную скульптуру (статуи, рельефы, лепной декор и т. п.) и живопись (панно, фрески, мозаики, витражи, орнаменты и т. д.), а также произведения декоративно-прикладного искусства (народных промыслов и промышленного дизайна), которые дополняют, развивают и конкретизируют собственно архитектурный образ. Примеры — Дворец съездов и Олимпийский комплекс в Москве, ансамбль центра и Театр им. Навои в Ташкенте, район Лаздинай в Вильнюсе, многие станции метрополитена в разных городах и т. д. Строительство больших общественных зданий, Дворцов культуры, театров, клубов, парков и стадионов открывает новые широкие перспективы взаимодействия видов искусства и ставит проблему синтеза как одну из важнейших задач социалистического реализма. Только с учетом и использованием синтеза искусств может быть решена программная задача создания прекрасной и достойной человека окружающей среды, способной радовать, идейно-эстетически воспитывать, удовлетворять высокие и развитые вкусы.

СИМВОЛИЗМ (от греч. symbolon — знак, условный знак) — направление в искусстве конца XIX — начала XX в., продолжавшее традиции декадентской поэзии (см. Декадентство) предшествующего времени и значительно углублявшее ее идейно-эстетические установки. Во франко-бельгийской поэзии и драматургии оно нашло выражение в поэзии С. Малларме, который, по словам Ж. Мореаса, «открыл ощущение таинственного и невыразимого», а также в поэзии и драматургии М. Метерлинка раннего периода.

В русской поэзии, начиная с 1900-х гг., символизм получил развитие в творчестве А. Блока, А. Белого, В. Иванова, С. Соловьева и др. В своих произведениях они выражали не столько субъективистские и индивидуалистические переживания одиночества, сколько поиски целого нового миросозерцания. Они — каждый по-своему — смутно предчувствовали грядущую катастрофу всего старого русского буржуазно-дворянского мира. Это приводило их к идеализации национального прошлого с его боярско-церковной и крестьянской патриархальностью (ранний Блок, ранний Белый, Соловьев) и греческой античности с ее языческими культами (В. Иванов). Но каждый из них скоро стал сознавать невозвратность исторического прошлого и по-своему обращаться к созданию религиозно- и социально-философских «мифов» — мифа о «втором пришествии» (Белый), о «мировой душе», «вечной женственности» (Блок) и др. Это, несмотря на мистицизм, вело к резкому, враждебному отношению к дворянско-буржуазному миру с надменностью и жестокостью его государственной власти, к мещанской сытости, к механистичности и рационализму буржуазной культуры. С другой стороны, в противоречивом, отягченном мистицизмом мировоззрении жило глубокое сочувствие к страданию народных низов и готовность встать на их защиту. И некоторые из названных поэтов (сильнее всех Блок в драме «Песня судьбы» и Белый в романе «Петербург» и сборнике «Пепел») приходили к мотивам гражданской сатиры и к романтизации народной, крестьянской жизни, к стремлению найти в ней воплощение своего идеала.

Такой подъем идейных исканий этих «младших» русских символистов оказал большое влияние на поэтов-декадентов старшего поколения. В наибольшей мере это сказалось на творчестве Д. Мережковского, его исторических романах, в том числе на его трилогии «Христос и Антихрист». По-своему изменился и В. Брюсов, пришедший от своих ранних декадентских мотивов к идеализации героев античной древности, а также эпохи средних веков и Возрождения (многоликость его новых идейных интересов выразилась в таком признании: «Хочу, чтоб всюду плавала свободная ладья. И господа и дьявола хочу прославить я»). Все это приводило к большому разнообразию жанров и стилей творчества символистов. Они обогатили русскую лирику со стороны ее формы (Белый и Брюсов специально изучали проблемы стихотворного ритма); эпическое и драматургическое творчество давалось им в гораздо меньшей мере вследствие отвлеченности их символико-романтического содержания (романы Белого «Серебряный голубь» и Брюсова «Огненный ангел» были явной неудачей; пьесы Блока не могли найти себе адекватного сценического воплощения). Вследствие высокой романтичности своих идейных исканий «младшие» символисты, а за ними и «перестроившиеся» символисты «старшие» выражали иные взгляды на задачи искусства, нежели декаденты 1890-х гг. Те видели в искусстве самодовлеющее, «чистое» творчество, эти рассматривали его как «деятельность, направленную к преображению действительности» (Белый), но к преображению, понятому идеалистически, как «революция духа». Печатными органами С. в 1900-х гг. были журналы «Мир искусства», «Новый путь», сборники «Северные цветы», издательства «Скорпион» (редактор Брюсов), «Гриф», «Мусагет» и др. Почти все символисты выступали и как литературные критики и теоретики искусства, особенно активно Белый и Иванов. Некоторых русских писателей XIX в. (Гоголя, Достоевского, Лермонтова, Баратынского, Тютчева) они рассматривали как своих предшественников. С 1910 г. значение символизма как направления слабеет. Одни — Блок, Брюсов, Белый — сочувственно приняли Октябрьскую социалистическую революцию, другие ушли в эмиграцию.

Символизм получил развитие и в изобразительных искусствах, но не имел такого значения, как в художественной литературе.

САМОДЕЯТЕЛЬНОСТЬ ХУДОЖЕСТВЕННАЯ — вид народного творчества; художественное творчество людей, не являющихся профессиональными художниками и занимающихся искусством в дополнение к своей основной профессии. Это любительское творчество в студиях и кружках при заводах, рабочих клубах, культурно-просветительных учреждениях, в различных производственных организациях, детских садах, Дворцах пионеров, школах и частях Вооруженных Сил Армии под руководством опытных художников или же по собственной инициативе и почину. Оно может быть индивидуальным (рисование, резьба, лепка, вышивка и т. д.) и коллективным (театральные, танцевальные, хоровые кружки).

Художественная самодеятельность является в нашей стране массовым видом творчества, в ней заняты десятки миллионов людей — целая армия народных талантов, т. е. практически все, в ком живет художник, любовь к красоте, влечение к искусству. Этот вид народного творчества восходит к традиционным народным промыслам, устной поэзии, традиционным украшениям и затеям, сельским спевкам и любительским спектаклям. Но только после 1917 г. он получил небывало широкое распространение. Тогда же родилось и само понятие художественная самодеятельность.

В настоящее время она охватывает почти все виды и жанры искусства. Но более всего распространена исполнительская самодеятельность — театральное, вокально-музыкальное, хореографическое творчество, а также художественное чтение. С каждым годом растет и самобытное творчество в разных областях искусства, в том числе в изобразительном и прикладном искусствах, о чем свидетельствуют периодические выставки самодеятельных живописцев и умельцев — рабочих, учителей, творческой интеллигенции. В России действует более 600 народных театров и 5 тысяч любительских киностудий, сотни танцевальных ансамблей и десятки тысяч кружков художественной самодеятельности. Систематические выступления самодеятельных артистов, танцоров, певцов и музыкантов в своих коллективах, на стройках, в городах и селах являются важным фактором в духовной жизни народа, составной частью художественной культуры при социализме.

Художественная самодеятельность представляет собой наиболее действенную форму эстетического воспитания трудящихся масс. Чувство прекрасного и хороший вкус формируются более успешно, когда человек сам творит красоту, сознает себя художником и утверждается в данной роли. Все это не только обогащает и возвышает людей духовно, способствуя всестороннему их развитию и культурной организации досуга, но имеет и прямую практическую отдачу: развитое чувство прекрасного эстетически окрашивает труд, является необходимым условием производства красивых вещей, решения проблемы качества продукции. Отсюда особая социальная важность и значение художественной самодеятельности.

Она является также неисчерпаемым резервом профессионального искусства. Немало выдающихся актеров, певцов, танцовщиков, музыкантов и целых исполнительских коллективов вышло из ее рядов. Вместе с тем профессиональные коллективы (театры, филармонии, творческие союзы) все более активно влияют на развитие художественной самодеятельности, оказывая ей повсюду всемерную шефскую помощь. Эти потоки художественной культуры, не сливаясь» взаимно обогащают друг друга. Художественная самодеятельность в нашей стране является предметом большой и постоянной заботы государства. Во всех краях и областях работают Дома народного творчества, существуют институты культуры, которые готовят высококвалифицированных руководителей художественной самодеятельности. Они выявляют таланты и осуществляют свою художественно-просветительную деятельность повсюду, включая сельские районы и самые отдаленные уголки страны.