Архив метки: Направления в искусстве

Экспрессионизм

ЭКСПРЕССИОНИЗМ (от фр. expression — выражение) — направление искусства и литературы, возникшее и получившее распространение в Германии в первой трети XX в. Большое значение экспрессионизма для развития немецкой художественной культуры отмечал А. В. Луначарский: « Экспрессионизм есть явление в немецкой культуре чрезвычайно широкое. Он заполнил собою немецкую живопись, если не подавил количественно немецких скульпторов и живописцев иных направлений, то, во всяком случае, передвинул решительно центр тяжести внимания публики на себя. Он сделался самым выдающимся явлением нового театра, а в некоторой степени всей новой немецкой литературы».

Художники, объединившиеся в 1905 г. под руководством Э. Кирхнера в группу «Мост», пытались найти новые художественные средства для выражения своего отношения к действительности. При этом они опирались на идеалистическую теорию «вчувствования» (см. Вчувствования теория), призывавшую художников к «самовыражению» — к отражению в произведениях не явлений и предметов реальной действительности, а своих чувств и переживаний, как бы «спроецированных» на предметы действительного мира. В 1911 г. в Мюнхене сформировалась группа художников-экспрессионистов «Голубой всадник» под руководством В. Кандинского. Теоретической основой их творчества послужило разработанное немецким искусствоведом В. Воррингером учение о «вчувствовании» и «абстракции», опиравшееся на феноменологическую теорию философа-идеалиста Э. Гуссерля. Кандинский следовал в своей художественной практике теории абстрагирования. Ведущим художником-экспрессионистом этой группы, продолжавшим и развивавшим линию группы «Мост», был Ф. Марк. Не принимая окружавшей его буржуазной действительности, он искал возможности выразить гармонию вне человеческих отношений, в сочетании природы с животными. Стремясь добиться повышенной экспрессивности, вплоть до шокового воздействия произведения на зрителей, Марк писал лошадей синей и красной краской, нарушал присущие им пропорции, акцентируя таким формалистическим способом наиболее существенные, с его точки зрения, части картины.

С обострением социальных противоречий, с нарастанием военной угрозы возрастало внутреннее напряжение у молодых экспрессионистов. Идейно-философской основой их творчества становился экзистенциализм — учение, тотально противопоставлявшее человека обществу. Выражая страх перед будущим в своих произведениях, они деформировали изображения предметов и явлений внешнего мира, вплоть до придания картинам абстрактного характера. В послевоенные годы экспрессионизм широко проявился в немецком кинематографе. Приемы усиления выразительности средствами деформации использовались в оформлении фильмов, в игре и гриме актеров, в остроте, напряженности, необычайности конфликтов. Прогрессивная часть кинематографистов использовала эти приемы для создания социально-критических фильмов. Часть экспрессионистов ушла в мистику, культивируя «фильмы ужасов».

Значительное воздействие экспрессионизм оказал на немецкую литературу и драматургию, породив произведения остро-антибуржуазного характера. Однако отсутствие положительных идеалов ограничивало творческие возможности экспрессионистов, не ощущавших опоры в народе, не видевших выхода из антагонистических противоречий буржуазного общества в революционных преобразованиях. Наибольшей силы экспрессионизм достиг в антивоенной пропаганде, в остром разоблачении пороков и агрессивной политики буржуазного общества. В период фашизма значительная часть экспрессионистов эмигрировала из Германии, произведения их были сожжены фашистами либо проданы за границу.

Экспрессионизм оказал значительное воздействие на живопись, литературу, театр и кино различных стран Европы и Америки. Выработанные экспрессионистами приемы повышения выразительности широко применяются в современном искусстве, особенно для показа антагонистических противоречий в искусстве стран капитализма.

Хореография

ХОРЕОГРАФИЯ (от греч. choreia — пляска, grapho — пишу) — первоначально, по своей этимологии, этот термин обозначал запись танца. С конца XIX в. стал применяться для обозначения танцевального искусства в целом, во всех его разновидностях. Искусство хореография основано на музыкально-организованных, условных, выразительных движениях человеческого тела. Зачатки образной выразительности свойственны человеческой пластике уже в реальной жизни. В том, как человек движется, жестикулирует, действует и пластически реагирует на действия других, выражаются особенности его характера, строя чувств, своеобразие личности. Такие «говорящие» характерно-выразительные элементы, рожденные в реальной жизни, принято называть пластическими интонациями или мотивами. В них коренятся истоки образной природы хореографии. Она основана на том, что характерно-выразительные пластические мотивы отбираются из множества реальных жизненных движений, обобщаются и организуются по законам ритма и симметрии, орнаментального узора, декоративного целого, опираясь на музыку. Хореографическое искусство изначально синтетичное, ибо вне музыки, усиливающей выразительность танцевальной пластики, дающей ей эмоциональную и ритмичную основу, оно не существует. Вместе с тем хореография зрелищное искусство, где существенное значение приобретает не только временная, но и пространственная композиция танца, зримый облик танцующих (отсюда — роль костюмов, изобразительного оформления и т. п.). Высшая форма хореографии — балет является одновременно и разновидностью музыкального театра.

Искусство хореографии зародилось в глубокой древности. Уже в первобытную эпоху возник танец как непосредственное выражение радости людей по поводу успешного завершения их трудовой или военной деятельности. Он был основан на воспроизведении движений соответствующих родов деятельности, имел первоначально религиозно-магическое значение, был неотделим от обрядов. В классовом обществе произошло разделение танца на народный и профессиональный. Народный танец долгое время сохранял связь с трудовыми процессами, языческими и бытовыми обрядами (танцевальные пантомимы в Древнем Китае и Индии, древнегреческие дионисийские игры, русские масленичные игры и т. д.). В нем находили выражение чувства народа, особенности его национального характера, отражались различные стороны его жизни. Постепенно теряя прямую связь с трудом и обрядом, танец приобрел значение искусства, воплощающего красоту тела, различные состояния человеческого духа. Уже в античности существовал профессиональный танец в качестве зрелища, аналогичного театральному. С конца XVI в. начал формироваться балет, сначала существовавший в виде интермедий в оперных и драматических представлениях мифологического характера, а в XVIII в. выделившийся в самостоятельное искусство. На протяжении всей своей истории профессиональное искусство хореографии опиралось на народный танец, заимствовало и претворяло многие его элементы.

В современной хореографии различается танец бытовой (народный и бальный) и сценический (эстрадный и балет). В балете хореография является центром синтеза искусства, органически объединяя в себе музыку и театр. Основой хореографического действия в балете является танец, воплощающий события сюжета, состояния и характеры действующих лиц. Подчиненное значение имеет пантомима, которая может, как составлять основу отдельных эпизодов, так и включаться в танец. Различается танец классический и характерный, а в пределах каждого из них — сольный, ансамблевый и массовый (танец солистов, корифеев и кордебалета). Нередки сочетания и взаимопереходы всех этих разновидностей танца. Основу балета составляет действенный танец (развивающий действие), но нередко в балет включается также дивертисмент (характеризующий среду, фон действия).

Лучшие балеты классического наследия: «Жизель» и «Корсар» А. Адана, «Баядерка» и «Дон-Кихот» Л. Минкуса, «Коппелия» Л. Делиба, «Эсмеральда» Ц. Пуни, «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик» П. Чайковского, «Раймонда» А. Глазунова и др.— бережно сохраняются на сценах театра. Их хореография создана М. Петипа, Л. Ивановым, А. Горским и др. выдающимися балетмейстерами прошлого. Успехи советского балета связаны с деятельностью балетмейстеров Ф. Лопухова, К. Голейзовского, В. Тихомирова, В. Вайнонена, Р. Захарова, Л. Лавровского, В. Чабукиани, Л. Якобсона, Ю. Григоровича и др. Этапное значение в развитии советского балета имели спектакли «Красный мак» Р. Глиэра, «Пламя Парижа» и «Бахчисарайский фонтан» Б. Асафьева, «Ромео и Джульетта» и «Каменный цветок» С. Прокофьева, «Спартак» А. Хачатуряна, «Ангара» А. Эшпая и др. Советский балет прославило творчество исполнителей М. Семеновой, Г. Улановой, О. Лепешинской, Н. Дудинской, М. Плисецкой, К. Сергеева, А. Ермолаева, В. Васильева, М. Лавровского и др. Важнейшее значение в советской хореографии имеют также ансамбли народного танца, существующие во всех республиках (наиболее известен Государственный ансамбль народного танца СССР, руководимый И. Моисеевым).

Футуризм

ФУТУРИЗМ (фр. futurisme от лат. futurum — будущее) — одно из упадочных направлений в буржуазном искусстве 10 — 20-х гг. XX в. Футуризм характеризуется отрицанием традиций в культуре, апологией техники и урбанизма, издевкой над традиционными вкусами, шокирующим антиэстетизмом, отрицанием всего предшествовавшего художественного опыта.

Он впервые зародился в Италии. Сам термин «футуризм» впервые появился в статье вождя итальянских футуристов Ф. Т. Маринетти «Манифест футуризма» (1909). Итальянский футуризм был созвучен стремлению национальной буржуазии превратить полуфеодальную страну в капиталистическую индустриальную державу. Критерием прекрасного были объявлены «техника», «скорость» и «сила». Мотор считался «лучшим из поэтов», несущийся автомобиль — «прекраснее Ники Самофракийской». Человек будущего представлялся в виде всемогущего, жестокого и бездушного механизма. Это привело к тому, что наиболее воинствующее крыло итальянских футуристов во главе с Маринетти заняло во время первой мировой войны откровенно милитаристскую позицию, а позднее поддержало фашизм.

В искусстве футуристы отбросили понятийное осмысление и предметное воспроизведение жизни, с тем, чтобы передавать свое интуитивное восприятие стремительного потока времени сочетанием «чистых», т. е. бессодержательных, материальных форм — путем произвольных словосочетаний и звукосочетаний в литературе, абстрактных композиций из линий и красок или деформированных предметов в живописи, диссонирующих аккордов и шумов в музыке.

Футуризм имел несколько национальных разновидностей, вортцисты в Англии; группа «Ниланд» в Германии; параксизм, динамизм, симультатизм во Франции; поэтизм в Чехословакии и др. В России, где футуризм возник между двумя революциями, сложилось несколько группировок. Основные из них «будетляне», или «Гилея» (В. Хлебников, Д. Бурлюк, В Каменский, В. Маяковский, А. Крученых и др.), «Ассоциация эгофутуристов» (И. Северянин, В. Гнедов и др.), «Мезонин поэзии» (В. Шершеневич, Б. Лавренев, Р Ивлев и др.) и «Центрифуга» (С. Бобров, Б. Пастернак, Н. Асеев и др.).

Русский футуризм был самобытным явлением. Его виднейшие деятели видели свои истоки в революции 1905 г. («Нам незачем было прибиваться извне — мы бросились в будущее от 1905 года»,— писал В. Хлебников). Многие из русских футуристов во время первой мировой войны заняли антивоенную позицию, а затем встали на сторону Октябрьской революции. В художественной практике они разделяли общее для футуристов увлечение в области самодовлеющего формотворчества. Однако в целом творчество русских футуристов далеко не ограничивалось только поисками в области формы. Маяковский, например, с самого начала выступал за «полезность поэзии», а в своем художественном творчестве шел по пути действительного новаторства, создавая искусство качественно нового типа, по сути своей далекое от футуризма.

Творчество коллективное

ТВОРЧЕСТВО КОЛЛЕКТИВНОЕ — создание целостного художественного произведения большим или меньшим коллективом одаренных людей.

Коллективным по своему характеру было всегда народное художественное творчество длительный процесс создания словесно-музыкально-хореографических форм искусства: героического эпоса, сказок, плясок, песен, частушек, припевок. Это живой, непрекращающийся и обновляющийся процесс, в котором достигалось единство массового и личностного творчества. Состояло оно из первоначальных импровизаций, многократной шлифовки произведения, отбора всего художественно совершенного.

В коллективном творчестве, представленном в фольклоре, проявляется художественный гений каждого народа. Коллективные формы творчества обусловлены природой многих видов, жанров искусства синтетических, исполнительских, каковы театр, опера, балет, кино, а также хоры, оркестры, танцевальные ансамбли и т. д. Здесь само создание художественного произведения предполагает участие большого количества исполнителей, включая многих вспомогательных работников. Специфично в таком коллективном творчестве то, что оно формируется на основе единого художественного замысла режиссера, дирижера, хормейстера, постановщика и осуществляется под их непосредственным руководством и управлением. Цель при этом состоит в том, чтобы, создавая единое художественное произведение, каждый исполнитель мог наилучшим образом проявить свою творческую индивидуальность. Организуются временные творческие коллективы для решения одной к.-л. крупной художественной задачи группа скульпторов во главе с Е. В. Вучетичем, создавшая мемориальный ансамбль в Волгограде, и др. Существуют и формы длительного равноправного содружества художников. Плодотворное коллективное сотворчество развивают много десятилетий Кукрыниксы (М. Куприянов, П. Крылов, Н. Соколов). Однако форма т. наз. «бригадного» создания живописных картин оказалась не эффективной, не прижилась, за исключением творчества студии военных художников им М. Грекова. Широкое распространение коллективное творчество нашло в художественной самодеятельности.

Ташизм

ТАШИЗМ (Фр. tache — пятно) – одно из ответвлений абстракционизма. Возник ташизм во Франции. Впервые этот термин введен в обиход эстетической и искусствоведческой литературы французским критиком Пьером Геганом в 1951 г. для обозначения ответвления в абстрактном искусстве. Однако сам термин не достаточно определен и не всегда ясно, каких художников относят к ташистам.

Ташизм означает использование в живописи цветовых пятен для передачи смутных и неосознанных впечатлений от восприятия предметов и явлений действительности. Как и абстракционизм, ташизм носит беспредметный характер. В хаотическом нагромождении цветовых пятен реальный мир не находит отображения.

В произведениях ташистов усматривается лишь смятенное состояние их создателей. И это вполне понятно: творческий метод ташистов сводится или к простому разбрызгиванию красок, или же к беспорядочному их наложению на полотно.

Ташизм представляет собой разрушение формы, композиции, рисунка, т. е. ликвидацию основ изобразительного искусства. Одним из ярких представителей ташизма является французский художник Жорж Матье. Его называют еще сторонником «лирического абстракционизма» в отличие от адептов «геометрического абстракционизма».

Сюрреализм

СЮРРЕАЛИЗМ (фр. surrealisme — сверхреализм) — направление искусства модернизма, сформировавшееся во Франции в 1924 г. выпуском «Манифеста сюрреализма », призывавшего к художественному творчеству без контроля разума.

Сюрреалисты не полностью отказывались от отражения в своих произведениях предметов и явлений действительности, но, отражая детали предметов, нарочито разрушали причинно-следственные логические связи, в результате чего их произведения лишались смысла.

surrealizm_dali

В теории сюрреализм опирался на буржуазно-идеалистические философские учения А. Шопенгауэра, А. Бергсона, провозглашавших основой искусства интуицию, не связанную с разумом, не основывающуюся на практическом жизненном опыте, а также на реакционное учение 3. Фрейда, считавшего художественное творчество порождением «бессознательного».

Сюрреалисты рассматривают искусство как убежище для личности, испытывающей отвращение к действительности, как некий «мир новой реальности», призванной отвлечь людей от повседневных жизненных забот и тягот. По существу же, уродливые, начиненные сценами жестокости произведения сюрреалистов культивируют жестокость и агрессивность. По утверждению сюрреалистов, их произведения, заполненные кровавыми сценами насилия, жестокости и разложения, призваны утолить жажду насилия, присущую человеку от рождения. Сюрреалисты проповедовали произвол и субъективизм не только в художественном творчестве они пытались активно включиться в политическую деятельность, призывая произвести средствами сюрреалистического искусства революцию в сознании человека. Этими бесплодными идеалистическими призывами они отвлекали людей от действительной политической борьбы за свои права. Народ представлялся сюрреалистами враждебной силой, «мешающей» истинному творчеству.

По мере усиления антинародных тенденций сюрреализм обретает активную поддержку со стороны буржуазии. После второй мировой войны он становится одним из господствующих направлений буржуазного искусства. Наиболее широкое распространение сюрреализм получил в живописи. Он проник также в литературу и кино. Идеологом сюрреализма был А. Бретон. Увлеченные бунтарской видимостью, к сюрреализму примкнули некоторые прогрессивно настроенные молодые деятели искусства и литературы на Западе. Однако вскоре отошли от него, убедившись в его бесплодности. Наиболее известным представителем сюрреализма являлся художник С. Дали.

Сюрреализм исчерпал себя и в настоящее время прекратил свое существование как направление в искусстве и литературе.

Синтез искусств

СИНТЕЗ ИСКУССТВ (от греч. synthesis — соединение, сочетание) — объединение различных видов искусства в рамках единого художественного произведения. Существует группа искусств, которые по природе своей являются синтетическими. Это все пространственно-временные, или зрелищные, искусства (театр, кино, телевидение, эстрада, цирк). В них объединение средств различных искусств происходит на основе творчества актера, сценического действия (в документальных жанрах — реального жизненного события, действия или лица). Проблема синтеза здесь выступает как проблема художественной целостности, органического единства того или иного произведения. Но, помимо зрелищных искусств, где синтез принадлежит самой природе художественного творчества и происходит как бы внутри данного вида искусства, существует также синтез как объединение различных искусств в единый ансамбль, или художественное целое. Таков синтез литературы и изобразительного искусства (художественно-иллюстративные издания), литературы и музыки (песня и др. вокальные жанры), а также имеющий особенно широкое значение синтез пластических искусств (архитектуры, изобразительного и декоративно-прикладного искусства), направленный на эстетически целостное формирование окружающей среды. В каждой из этих групп синтеза существуют свои творческие проблемы. Так, в книжной иллюстрации главной является проблема изобразительного воплощения характеров героев и узловых событий действия литературного произведения, а также целостности художественного оформления книги в единстве всех ее компонентов (иллюстраций, обложки, заставок, шрифта и т. д.). В вокальной музыке стоит задача обобщенного воплощения идей и эмоционального строя поэтического текста в единстве с ее конкретными образными элементами. В синтезе пластических искусств главной является задача целостного художественного ансамбля, подчиненного единой идее как в рамках отдельного сооружения, так и в их комплексе, вплоть до художественно-осмысленного решения целых городов.

При объединении искусств каждое из них вносит в синтетическое целое свой вклад, обогащает это целое присущими данному искусству специфическими возможностями и чертами. Вместе с тем, входя в синтетическое целое, каждое из искусств так или иначе приспосабливается к другим и к целому, приобретает особые черты, в которых у него не было необходимости при обособленном существовании. Поэтому синтез — не механический конгломерат отдельных искусств, и он не сводим к их простой сумме. Синтез искусств — это органическое художественное целое, обладающее новым качеством по отношению к каждому входящему в него искусству.

При синтезе пластических искусств его основой являются те реальные процессы человеческой жизнедеятельности (труда, быта, общественных событий и т. д.), для протекания и пространственного оформления которых создается архитектура. С учетом характера и развертывания этих процессов она включает в себя также монументально-декоративную скульптуру (статуи, рельефы, лепной декор и т. п.) и живопись (панно, фрески, мозаики, витражи, орнаменты и т. д.), а также произведения декоративно-прикладного искусства (народных промыслов и промышленного дизайна), которые дополняют, развивают и конкретизируют собственно архитектурный образ. Примеры — Дворец съездов и Олимпийский комплекс в Москве, ансамбль центра и Театр им. Навои в Ташкенте, район Лаздинай в Вильнюсе, многие станции метрополитена в разных городах и т. д. Строительство больших общественных зданий, Дворцов культуры, театров, клубов, парков и стадионов открывает новые широкие перспективы взаимодействия видов искусства и ставит проблему синтеза как одну из важнейших задач социалистического реализма. Только с учетом и использованием синтеза искусств может быть решена программная задача создания прекрасной и достойной человека окружающей среды, способной радовать, идейно-эстетически воспитывать, удовлетворять высокие и развитые вкусы.

Символизм

СИМВОЛИЗМ (от греч. symbolon — знак, условный знак) — направление в искусстве конца XIX — начала XX в., продолжавшее традиции декадентской поэзии (см. Декадентство) предшествующего времени и значительно углублявшее ее идейно-эстетические установки. Во франко-бельгийской поэзии и драматургии оно нашло выражение в поэзии С. Малларме, который, по словам Ж. Мореаса, «открыл ощущение таинственного и невыразимого», а также в поэзии и драматургии М. Метерлинка раннего периода.

В русской поэзии, начиная с 1900-х гг., символизм получил развитие в творчестве А. Блока, А. Белого, В. Иванова, С. Соловьева и др. В своих произведениях они выражали не столько субъективистские и индивидуалистические переживания одиночества, сколько поиски целого нового миросозерцания. Они — каждый по-своему — смутно предчувствовали грядущую катастрофу всего старого русского буржуазно-дворянского мира. Это приводило их к идеализации национального прошлого с его боярско-церковной и крестьянской патриархальностью (ранний Блок, ранний Белый, Соловьев) и греческой античности с ее языческими культами (В. Иванов). Но каждый из них скоро стал сознавать невозвратность исторического прошлого и по-своему обращаться к созданию религиозно- и социально-философских «мифов» — мифа о «втором пришествии» (Белый), о «мировой душе», «вечной женственности» (Блок) и др. Это, несмотря на мистицизм, вело к резкому, враждебному отношению к дворянско-буржуазному миру с надменностью и жестокостью его государственной власти, к мещанской сытости, к механистичности и рационализму буржуазной культуры. С другой стороны, в противоречивом, отягченном мистицизмом мировоззрении жило глубокое сочувствие к страданию народных низов и готовность встать на их защиту. И некоторые из названных поэтов (сильнее всех Блок в драме «Песня судьбы» и Белый в романе «Петербург» и сборнике «Пепел») приходили к мотивам гражданской сатиры и к романтизации народной, крестьянской жизни, к стремлению найти в ней воплощение своего идеала.

Такой подъем идейных исканий этих «младших» русских символистов оказал большое влияние на поэтов-декадентов старшего поколения. В наибольшей мере это сказалось на творчестве Д. Мережковского, его исторических романах, в том числе на его трилогии «Христос и Антихрист». По-своему изменился и В. Брюсов, пришедший от своих ранних декадентских мотивов к идеализации героев античной древности, а также эпохи средних веков и Возрождения (многоликость его новых идейных интересов выразилась в таком признании: «Хочу, чтоб всюду плавала свободная ладья. И господа и дьявола хочу прославить я»). Все это приводило к большому разнообразию жанров и стилей творчества символистов. Они обогатили русскую лирику со стороны ее формы (Белый и Брюсов специально изучали проблемы стихотворного ритма); эпическое и драматургическое творчество давалось им в гораздо меньшей мере вследствие отвлеченности их символико-романтического содержания (романы Белого «Серебряный голубь» и Брюсова «Огненный ангел» были явной неудачей; пьесы Блока не могли найти себе адекватного сценического воплощения). Вследствие высокой романтичности своих идейных исканий «младшие» символисты, а за ними и «перестроившиеся» символисты «старшие» выражали иные взгляды на задачи искусства, нежели декаденты 1890-х гг. Те видели в искусстве самодовлеющее, «чистое» творчество, эти рассматривали его как «деятельность, направленную к преображению действительности» (Белый), но к преображению, понятому идеалистически, как «революция духа». Печатными органами С. в 1900-х гг. были журналы «Мир искусства», «Новый путь», сборники «Северные цветы», издательства «Скорпион» (редактор Брюсов), «Гриф», «Мусагет» и др. Почти все символисты выступали и как литературные критики и теоретики искусства, особенно активно Белый и Иванов. Некоторых русских писателей XIX в. (Гоголя, Достоевского, Лермонтова, Баратынского, Тютчева) они рассматривали как своих предшественников. С 1910 г. значение символизма как направления слабеет. Одни — Блок, Брюсов, Белый — сочувственно приняли Октябрьскую социалистическую революцию, другие ушли в эмиграцию.

Символизм получил развитие и в изобразительных искусствах, но не имел такого значения, как в художественной литературе.

Сентиментализм

СЕНТИМЕНТАЛИЗМ (от фр. sentiment — чувство) — течение в европейском искусстве конца XVIII — начала XIX в., возникшее как реакция на рационалистическое искусство классицизма. Социальные основы сентиментализма — возвышение третьего сословия, ищущего в искусстве утверждения своих идеалов. Классическим произведением, давшим название этому направлению, явился роман Л. Стерна «Сентиментальное путешествие», хотя родоначальником сентиментализма считают Дж. Томсона (поэма «Времена года», 1730). В противоположность классицизму, где государственное начало, общественный долг возводились в культ и противопоставлялись личному развитию, сентиментализм утверждает самоценность личности, мира ее чувств. Жизнь «нежного сердца, не испорченного цивилизацией», поруганная честь и страдания чистого возвышенного существа, жертвы сословных предрассудков или человеческой испорченности, идиллические картины природы — вот излюбленные мотивы и темы сентименталистов. Кладбищенские размышления, раздумья о бренности существования, идея облагораживающего влияния природы и воспевание человека, близкого к ней, грусть по поводу утраченных патриархальных форм быта, исчезнувших в связи с урбанизацией деревни, и т. д. Разочарованный герой, потерявший веру в реальность гармонии мира и счастья, проливает горькие слезы и сетует на судьбу. Это не рыцарь, не вождь, не государственный деятель и не человек, которому по плечу большие дела и бурные страсти, а простой смертный, и задача художника вызвать сочувствие к этому простому человеку, сострадание, уважение. Поздний сентиментализм подсмеивается над своим героем, доходя до резких обличений его слабостей (Жан Поль, Голдсмит). Новые идейно-эстетические концепции человека и его места в жизни общества, обращение к демократическому герою, миру его чувств и помыслов вызвало необходимость прибегнуть к иным изобразительно-выразительным средствам, чем у классицистов. Произвольно строится композиция литературного произведения, большое место занимают авторские рассуждения. Излюбленными жанрами становятся романы в письмах, романы-исповеди (Руссо), путешествия (Карамзин «Письма русского путешественника»), в поэзии — поэма, элегия (Грей «Сельское кладбище»). Новое содержание потребовало иного эмоционального воздействия, вызвало изменение языка искусства, лексики, которая тяготеет теперь к живому разговорному языку.

Ценность лучших произведений сентиментализма — в критике феодальных отношений, в обращении к герою из низов и его нуждам. Наряду с явной идеализацией, в произведениях сентиментализма правдиво отражены жизненные обстоятельства. Сентиментализм явился предтечей романтизма.

В России сентиментализм имел свою специфику. К русским представителям сентиментализма принадлежат Н. М. Карамзин, И. Ф. Богданович, И. И. Дмитриев. Сентиментализма на русской почве имел прогрессивную, анти-абсолютистскую направленность, хотя и носил дворянский характер.

Самодеятельность художественная

САМОДЕЯТЕЛЬНОСТЬ ХУДОЖЕСТВЕННАЯ — вид народного творчества; художественное творчество людей, не являющихся профессиональными художниками и занимающихся искусством в дополнение к своей основной профессии. Это любительское творчество в студиях и кружках при заводах, рабочих клубах, культурно-просветительных учреждениях, в различных производственных организациях, детских садах, Дворцах пионеров, школах и частях Вооруженных Сил Армии под руководством опытных художников или же по собственной инициативе и почину. Оно может быть индивидуальным (рисование, резьба, лепка, вышивка и т. д.) и коллективным (театральные, танцевальные, хоровые кружки).

Художественная самодеятельность является в нашей стране массовым видом творчества, в ней заняты десятки миллионов людей — целая армия народных талантов, т. е. практически все, в ком живет художник, любовь к красоте, влечение к искусству. Этот вид народного творчества восходит к традиционным народным промыслам, устной поэзии, традиционным украшениям и затеям, сельским спевкам и любительским спектаклям. Но только после 1917 г. он получил небывало широкое распространение. Тогда же родилось и само понятие художественная самодеятельность.

В настоящее время она охватывает почти все виды и жанры искусства. Но более всего распространена исполнительская самодеятельность — театральное, вокально-музыкальное, хореографическое творчество, а также художественное чтение. С каждым годом растет и самобытное творчество в разных областях искусства, в том числе в изобразительном и прикладном искусствах, о чем свидетельствуют периодические выставки самодеятельных живописцев и умельцев — рабочих, учителей, творческой интеллигенции. В России действует более 600 народных театров и 5 тысяч любительских киностудий, сотни танцевальных ансамблей и десятки тысяч кружков художественной самодеятельности. Систематические выступления самодеятельных артистов, танцоров, певцов и музыкантов в своих коллективах, на стройках, в городах и селах являются важным фактором в духовной жизни народа, составной частью художественной культуры при социализме.

Художественная самодеятельность представляет собой наиболее действенную форму эстетического воспитания трудящихся масс. Чувство прекрасного и хороший вкус формируются более успешно, когда человек сам творит красоту, сознает себя художником и утверждается в данной роли. Все это не только обогащает и возвышает людей духовно, способствуя всестороннему их развитию и культурной организации досуга, но имеет и прямую практическую отдачу: развитое чувство прекрасного эстетически окрашивает труд, является необходимым условием производства красивых вещей, решения проблемы качества продукции. Отсюда особая социальная важность и значение художественной самодеятельности.

Она является также неисчерпаемым резервом профессионального искусства. Немало выдающихся актеров, певцов, танцовщиков, музыкантов и целых исполнительских коллективов вышло из ее рядов. Вместе с тем профессиональные коллективы (театры, филармонии, творческие союзы) все более активно влияют на развитие художественной самодеятельности, оказывая ей повсюду всемерную шефскую помощь. Эти потоки художественной культуры, не сливаясь» взаимно обогащают друг друга. Художественная самодеятельность в нашей стране является предметом большой и постоянной заботы государства. Во всех краях и областях работают Дома народного творчества, существуют институты культуры, которые готовят высококвалифицированных руководителей художественной самодеятельности. Они выявляют таланты и осуществляют свою художественно-просветительную деятельность повсюду, включая сельские районы и самые отдаленные уголки страны.