КОМПЛЕКСНОЕ ИЗУЧЕНИЕ ХУДОЖЕСТВЕННОГО ТВОРЧЕСТВА системное исследование проблем искусства, возникшее в русле свойственных современной науке дисциплинарных связей. Определяющим в развитии всех областей научных знаний и практики в последние годы стало выдвижение общих принципов комплексности и взаимосвязи наук.

Новые возможности для плодотворных исследований как общетеоретического фундаментального, так и прикладного характера открываются на стыке различных наук, в частности, естественных и общественных. Их следует использовать в полной мере.

По отношению к художественному творчеству комплексный, междисциплинарный подход способствует разностороннему освещению ряда актуальных проблем, расширению представлений о закономерностях искусства, сопоставлению различных явлений художественной культуры, а также ее функционированию в обществе. При этом используются в соответствии с теми или иными конкретными задачами соответствующие средства и методики различных научных областей прежде всего гуманитарных (эстетики, литературоведения, искусствознания, истории, психологии, языкознания, этнографии и др.), а также в меру целесообразности естественных и математических. При этом учитывается, что возможности и границы дисциплин различны. При любых их сочетаниях необходим постоянный учет специфики художественного творчества, его социальной природы, поэтому здесь ведущими являются эстетика, искусствознание, литературоведение. Средства и методики естественных наук используются для анализа физиологических предпосылок творчества, материального субстрата, «механизмов» процессов творчества и восприятия. Определенный вклад в подготовку такого изучения внесли виднейшие физиологи II. П. Павлов, И. М. Сеченов, А. Д. Ухтомский, В. М. Бехтерев. В комплексном изучении художественного творчества важную роль играет кибернетика с ее возможностями рационализации особенно трудоемких операций труда ученых — информационных поисков, помощью текстологии и т. д. Применение кибернетики в изучении художественного творчества имеет конкретные результаты в архитектуре при конструировании, в кинематографии при создании мультипликационных фильмов и в развитии новых видов искусства — свето и электронной музыки.

Отдельные попытки междисциплинарных связей при изучении искусства (в частности, эстетики, психологии и физиологии) имелись в прошлом, однако без методологического обоснования и зачастую на почве позитивистских и идеалистических трактовок природы творчества. Лишь в наше время, с развитием методологии изучения искусства возникла возможность комплексного исследования малоизученных проблем художественного творчества. Назовем некоторые из них: процесс создания и восприятия художественного произведения; взаимосвязь научного и художественного мышления; влияние научно-технического прогресса на искусство; взаимосвязь различных видов художественного творчества и др. Комплексная разработка этих проблем связана с практическими задачами повышения мастерства деятелей искусства эффективности эстетического воспитания воздействия художественных произведений на читателей, зрителей» слушателей и т. д.

Начало комплексного изучения художественного творчества как научного направления было положено Первым Всесоюзным симпозиумом по этой проблеме (Ленинград, февраль 1963 г,) с участием философов, эстетиков, литературоведов, искусствоведов, социологов, историков психологов, лингвистов, физиологов, кибернетиков, математиков, а также практиков искусства.

В ходе развития комплексного изучения художественного творчества первостепенное значение имеют вопросы методологии системного подхода. В свете этого подхода искусство может быть рассмотрено в качестве иерархической системы высокой сложности и, в частности, в качестве взаимосвязанных звеньев динамического процесса художественного творчества, в единстве генетическом и функциональном. Если до сих пор изучались лишь отдельные этапы процесса творчества, к тому же изолированно друг от друга, то комплексный подход позволяет с большей полнотой раскрыть закономерности творческой деятельности и художественного восприятия.

Дальнейшее развитие комплексного изучения художественного творчества требует содружества наук, укрепления союза ученых, исследующих творчество, с практиками искусства, а также разработки методологии анализа современных проблем искусства.

КЛАССИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО (от лат classicus — образцовый)— 1) античное искусство периода высшего расцвета греческой демократии (VI—V вв. до н. э.), 2) непреходящая эстетическая ценность, имеющая мировое значение и являющаяся шагом вперед в художественном развитии человечества. Понятие классическое искусство возникло в эпоху Возрождения, когда античное искусство времени Перикла принимается как абсолютная эстетическая норма. В последующие века к этому эталону присоединяется творчество великих мастеров Возрождения (Рафаэля, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Тициана). Постижение законов искусства, художественных форм и канонов, выдвинутых великими художниками античности и Возрождения, шло параллельно с изучением философско-эстетических идей и идеалов античности. Величайшими представителями классического искусства Древней Греции были признаны Гомер, скульпторы Мирон, Поликлет, Фидий, Скопас, архитекторы Иктин и Калликрат, живописец Полигнот, драматурги Эсхил, Софокл и Эврипид. Греки создали высочайшее искусство, с которым сравниваются все достижения последующих эпох. Источником классического искусства Древней Греции являлась, греческая мифология, т. е. «природа и сами общественные формы, уже переработанные бессознательно — художественным образом народной фантазией». Высшей степени совершенства греки достигли в области архитектуры, поэзии и пластических искусств. Принцип меры, гармонии содержания и формы, идеальной соразмерности частей и целого, благородная простота композиции, языка и стиля делали античное искусство недосягаемым образцом.

Классическое искусство утверждает идею красоты и гармонии мира, веру в совершенство человеческой личности, безграничные возможности разума. Человек — мера всех вещей, величайшая ценность. Классическое искусство несет эстетические идеалы своей эпохи в проекции их на будущее, вскрывает коренные противоречия, обнажает социальные контрасты, «вопли и страдания современности» (Белинский), стремясь показать всю полноту проявления жизни, все духовное богатство, достигнутое в данный момент исторического развития. Классическое искусство тяготеет к широким обобщениям, глобальным проблемам общечеловеческого содержания и рассматривает их с прогрессивных позиций своего времени. Таковы творения Рафаэля, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Шекспира, Пушкина, Л. Толстого, Бетховена, Чайковского и т. д.

КИЧ (нем. Kitsch) — пошлость, безвкусица в литературе и искусстве. В развитии кича выделяются два периода. Первый связан с формированием буржуазного сознания, когда кич отражал стремление обывателя к украшательству, к «завитушкам», показной пышности интерьера и одежды.

Второй (неокич), расцветший на Западе в 60—70-е гг. ХХ века, связан с культом вещей в «обществе потребления». Для западного обывателя характерна тяга к полному комфорту не только в быту, но и в искусстве, стремление к жизни «напоказ», что неизбежно сказывается на эстетических вкусах. Творцы кича сохраняют лишь внешние приметы жизни, но с таким расчетом, чтобы случайное казалось обычным, а невероятное — вполне возможным. Отсюда — многочисленные модификации историй Золушек мужского и женского пола, королей «Шантеклера», неизвестных женщин, энергичных парней, становящихся миллионерами.

Жизнь в этих произведениях псевдоискусства предстает лишенной теневых сторон, острых социальных конфликтов и любой мало-мальски серьезной критики недостатков или, тем более, пороков общества. Цель его — воспитание конформистского сознания нерассуждающего человека, апологета существующего порядка. Даже в тех случаях, когда в фильмах, книгах, телепостановках поднимаются злободневные политические и социальные проблемы, они никогда не затрагивают противоречий буржуазного общества. Являясь частью буржуазной «массовой культуры», в которой существуют разные художественные уровни, кич — выступает как аналогия конформизма, подмена реальности иллюзиями, манипулирование неразвитым сознанием.

КИНЕМАТОГРАФ (от греч. kinema — движение, grapho — пишу), возникший в конце XIX в. (годом рождения кино принято считать 1898 г., когда в Париже в кафе братьев Люмьер были впервые продемонстрированы кадры движущейся фотографии — прообраз будущего искусства кино), долгое время считался техническим аттракционом, служащим для развлечения. В начале XX в. стали появляться игровые художественные фильмы. Первоначально кинематограф был немым, незвуковым, содержание кинофильмов излагалось в надписях, их демонстрация сопровождалась, как правило, музыкой специально нанимаемых кинотеатрами для этой цели аккомпаниаторов — таперов. В общем потоке кинопродукции, подавляющее большинство которой составляли приключенческие фильмы, сентиментальные истории, мелодрамы, картины псевдоисторического содержания, эксцентрические кинокомедии, начинают появляться и серьезные работы на добротной литературной основе, в том числе экранизация классиков. Выдвигается ряд больших мастеров: Д. Гриффит, Ч. Чаплин в США, М. Линдер во Франции, Я. Протазанов, С. Эйзенштейн в России.

С возникновением звукового кино (конец 20-х — начало 30-х гг.) отчетливо стал выявляться коллективный характер кинотворчества, синтетическая природа киноискусства. Усиливается роль первоосновы фильма — литературного киносценария. Художник выстраивает единую изобразительную панораму фильма, композитор при помощи музыки выявляет эмоциональный строй фильма, ритмически подчеркивает характер действия. Возрастает и роль кинооператора: он разрабатывает композицию как кинофильма в целом, так и его отдельных кадров, вместе с режиссером определяет характер съемки (ускоренная или замедленная), использование различных планов (крупного, общего, среднего), дает портретную характеристику героев фильма. Большие требования предъявляются и к киноактерам: от их мастерства в значительной степени зависит общий художественный уровень фильма. На особое место выдвигается фигура кинорежиссера — руководителя и организатора творческого процесса и, по существу, главного автора фильма. Он определяет идейно-художественный строй фильма, направляет работу кинооператоров, художников, композиторов, актеров. Именно открытия в кинорежиссуре (Д. Гриффит считается в истории кино создателем крупного плана, С. Эйзенштейн — монтажа) определяли характер развития кинематографа.

Своеобразие кино, как вида искусства, состоит и в том, что оно тесно связано с развитием техники. Однако технические изобретения сами по себе, механически, никогда не обеспечивали появления искусства. Так, кадр в качестве технической основы кинообраза представляет собой всего лишь снимок на кинопленке, на котором зафиксирована одна из фаз движения или статического положения объектов съемки. Однако художник, вооруженный кинокамерой, отражает в кадре не только границы видимого пространства, но сообразно идее фильма и художественным задачам, стоящим перед ним, строит композицию кадра, находит необходимый характер тонального и колористического решения, ракурс, с которого надлежит снять данный кадр. Точно так же и монтаж менее всего напоминает техническое действие (хотя он прежде всего является таковым) соединения отснятых кадров; он являет собой сложный творческий процесс по отбору соединению во временной, идейно-эмоциональной последовательности имеющегося киноматериала — процесс, в котором наибольшей силой выявляется уровень художественного мышления создателя фильма.

Развитие техники постоянно расширяет возможность кинематографа; так, в наше время фильмы снимаются не только для демонстрации на обычном экране, существует широкоформатное кино, стереофильм. В недалеком будущем вполне возможно появление голографического кино. Разнообразие кинопродукции диктует и появление высокоорганизованной технической базы, необходимой для создания и демонстрации фильмов: вследствие этого кинематограф становится особой отраслью промышленности и торговли. В развитых странах киноиндустрия сосредоточивается в руках многополитического капитала, который, исходя из идеологических и коммерческих соображений, стремится превратить кинематограф в средство пропаганды буржуазных идей. Прогрессивные кинематографисты мира противостоят этим тенденциям, утверждая в своих произведениях гуманизм, передовые общественные идеалы.

Современный кинематограф дифференцируется на три основных вида: художественная (игровая) кинематография, воплощающая средствами исполнительского искусства произведения кинодраматургии художественной прозы, театральной драматургии; документальная кинематография — особый вид образной публицистики, запечатленный непосредственно на кинопленку (к этому виду примыкает и научно-популярная кинематография, использующая возможности документального кино для пропаганды научных знаний) ; мультипликационная кинематография, где образы создаются съемкой неподвижных последовательных фаз движения рисованных (графическая мультипликация) или кукольных (объемная мультипликация) персонажей.

Искусство кино характеризуется также большим разнообразием жанров (кинодрама, киноповесть, кинокомедия, музыкальная комедия — в художественном кинематографе, мультфильм, кукольный фильм — в мультипликационном кино, репортаж — в документальном и т. д.). В отличие от ранних этапов развития кино, когда жанры четко разграничивались, в современном кино выявляется тенденция к их сближению, слиянию, взаимопроникновению.

История мирового кино свидетельствует о последовательном совершенствовании этого вида искусства, усилении его художественного воздействия на массы. В 30-е гг., используя возможности звукового кино, прогрессивные кинематографисты Ч. Чаплин, Р. Клер вели борьбу за утверждение реализма в искусстве. В послевоенном кино национальные кинематографии внесли свой вклад в развитие мирового киноискусства. Одними из самых значительных в этом плане являются достижения итальянского киноискусства 40-х — первой половины 50-х гг., связанные с развитием неореалистического направления. В центре внимания мастеров неореализма (Р. Росселини, П. Джерми, Л. Висконти, В. де Сика, Дж. де Сантис) жизнь трудового народа, простого человека в трудных условиях послевоенной Италии. В мировом киноискусстве выделяются также лучшие фильмы т. наз. «новой волны» во Франции (Ж. Трюффо) конца 50-х — начала 60-х гг., отдельных прогрессивных мастеров кино США (С. Креймер), Японии (А. Куросава) и др.

ЗОЛОТОЕ СЕЧЕНИЕ — система пропорциональных отношений, в которых целое так относится к своей большей части, как большая к меньшей. Правило золотого сечения выражается формулой

c/a = a/b,
где с обозначает целое,
а — большую часть,
b — меньшую.

Принцип «золотого сечения» обнаруживается в формах живых организмов (например, в форме яблока или в форме улитки), пропорциях тела и органов человека, биоритмах головного мозга, строении плодородного слоя земли, статистике популяций, музыке, строении планетарных систем и системы Менделеева, микрокосмосе, в компонентах генного аппарата человека и животных и т.д.

Некоторые теоретики и художники эпохи Возрождения пытались доказать, что золотое сечение является основой идеальной красоты. Представители психологической эстетики также полагают, что подобное пропорциональное отношение воспринимается людьми эстетически, и здесь находится разгадка тайны красоты.

Развитие науки открыло крайне широкую сферу действия золотого сечения в истории архитектуры, прикладного искусства, дизайна и в то же время расширило сферу действия этой формулы пропорциональности на другие области бытия — не только видимого, но и слышимого (в сфере музыки).

Однако оказалось, что золотое сечение является далеко не единственным эстетически значимым пропорциональным отношением — и в природе и в архитектуре, и в других областях искусства эстетическое воздействие оказывают разнообразные принципы пропорциональности; в то же время нередко предметы, построенные по закону золотого сечения, оказываются эстетически нейтральными или даже производят отрицательное эстетическое впечатление.

Все это становится понятным, если учесть, что золотое сечение есть объективное математическое отношение, характеризующее строение формы предмета Однако при объяснении прекрасного необходимо учитывать и законы восприятия объективных свойств, предметов и явлений.

Последние исследования показали, что золотое сечение вписывается в широкую систему конкретных форм пропорциональности, охватывающую естественное (природное) и искусственное (архитектурное и т. п.) формообразование.

ЖИВОПИСЬ — один из важнейших видов изобразительного искусства, в котором задачи образного отражения, истолкования и познания явлений и предметов объективной действительности решаются цветом, неразрывно связанным с рисунком. Произведения живописи создаются красками (масляные, водяные, восковые, клеевые и пр.), которые наносятся на поверхность холста, штукатурки, бумаги, на керамическую поверхность и т. д.

Художественно-эстетическая выразительность идеи произведения достигается с помощью колорита, позволяющего соотношением цветов наглядно выявить красочное богатство окружающей реальности, эмоционально-психологический настрой происходящего. Большую роль играет и композиция, которая в наглядно выраженном соотношении фигур, цветовых поверхностей, определенно построенном драматургическом действии раскрывает замысел, идею произведения. Например, композиция полотна Рембрандта «Ночной дозор», работа Ф. Решетникова «Опять двойка» и др.

Важные дополнительные средства эмоционального воздействия живописи — светотеневая моделировка объемной формы, использование законов линейной и воздушной перспективы, ритма, тональных градаций цвета. Большое значение в живописи – принадлежит профессиональному опыту художника, его умению использовать выразительность приемов живописи (многослойная и однослойная живопись), фактурной поверхности произведения искусства, пластических качеств мазка и т. д. Яркие примеры профессионального мастерства в истории живописи произведения художников Возрождения с их многообразием приемов лессировочной живописи (нанесение тонких, прозрачных слоев краски), технологическая изощренность картин «малых голландцев», безукоризненное использование технических возможностей материала в древнерусском монументальном искусстве, иконописи, выразительность фактурной поверхности произведений Веласкеса, И. Репина, Ван Гога, П. Корина и др.

Многовековое развитие человеческого общества и культуры способствовало появлению и дальнейшей эволюции многих видов и жанров живописи. Монументальное искусство включает в себя роспись и фреску энкаустическую (восковую) живопись, а также мозаику и отчасти витраж, использующие приемы и принципы живописи. Выдающиеся образцы таких произведений — фрески и росписи, мозаики периода античности, европейского и русского средневековья, эпохи Возрождения и последующих веков.

Значительнейшее место в живописи занимает станковая картина. Она включает в себя тематические композиции, портрет, пейзаж, натюрморт, которые, в свою очередь, подразделяются на исторические, историко-революционные, батальные, жанровые и т. п. картины. Глубина и полнота отражения действительности в станковой живописи способствуют выполнению ею многих важнейших идеологических и художественно-эстетических функций в духовной жизни общества. Так, в истории русской культуры велико значение выставок Товарищества передвижных художественных выставок («передвижников»).

Столь же велика роль театрально декорационной живописи, миниатюры (творчество мастеров Палеха, Мстеры и др.), решающих более локальные задачи искусства живописи.

Исторически сложившиеся виды и жанры живописи, накопленный профессиональный опыт в создании и изучении произведений искусства придали особое значение развитию истории живописи, совершенствованию и углублению эстетической теории, объективному, классовому истолкованию природы и сущности искусства и его задач. Идеологическая борьба наряду с прогрессивными течениями вызвала и ряд реакционных направлений в живописи (абстракционизм, кубизм, поп-арт), отвергающих социальное, познавательное содержание искусства, сводящих задачи живописи к механическому комбинированию цветовых плоскостей, пятен, линий, бездумному применению коллажа, а в идейно-нравственной области к аморализму, смакованию безобразия (сюрреализм), маскируемой аполитичностью реакционности.

ДРАМАТИЧЕСКОЕ (от греч. drama — буквально действие; жанр серьезной остроконфликтной пьесы или наименование пьесы вообще) — эстетическая категория систем нового и новейшего времени, отражающая напряженное противоборство различных сил, тенденций, сторон во взаимоотношениях человека с природой, в жизни общества и личности, а также формы эмоционального переживания и художественного воплощения этой борьбы.

Объективную основу драматического составляют процессы вызревания, многообразного проявления и разрешения противоречий действительности, среди которых особое, исключительно важное место занимают противоречия социальные.

Категория драматического имеет два значения — узкое и широкое.

Драматическое в узком смысле связано со спецификой той области, которая расположена между трагическим, с одной стороны, и комическим — с другой: двумя крайними проявлениями эстетической шкалы. Различие между событием драматическим и трагическим не сводится к характеру развязки, сравнительно благополучной в первом случае и катастрофической во втором. Различие драматического в узком смысле и трагического связано с характером лежащих в их основе конфликтов, с их глубиной, что, в свою очередь, зависит от отношений драматического и трагического к сфере человеческой свободы.

Драматические конфликты, отличаясь значительной остротой, в то же время сопутствуют сфере уже достигнутого или достигаемого господства над определенными силами природы, общества и личности. В отличие от этого трагические конфликты возникают там, где степень обретенной человеком свободы обнаруживает свою историческую ограниченность, где человек сталкивается с неподвластными ему, превосходящими пока что его возможности силами и обстоятельствами; отсюда — жертвы, страдания. Что касается наиболее существенных комических конфликтов, то они — проявление противоречий «перезревшей», «пережившей самое себя» действительности, над которой человек возвышается духовно, субъективно.

Художественное освоение области драматического в узком смысле означало расширение предмета искусства за счет включения в него конфликтов повседневной, обычной жизни.

Драматическое в широком смысле фиксирует то общее, что присуще всем различным по характеру и способам разрешения острым объективным конфликтам — трагическим, комическим, трагикомическим, мелодраматическим и др. Осознание единой основы всех этих остродинамических проявлений борьбы противоположностей стало возможным относительно поздно, начиная с XVIII в., в связи с резким обострением в эту эпоху социально-классовых противоречий и развитием богатого арсенала художественных форм выражения драматического. В этом своем предельно-обобщенном значении категория драматического сближается с наиболее универсальными категориями эстетики Переживание драматического— чувство одухотворенное, интеллектуальное. Оно связано с постижением смысла развертывающейся борьбы, с неоднозначной оценкой противоположных сторон и глубоким волнением за исход конфликта. Именно поэтому драматическое оказывает столь сильное воздействие на сознание воспринимающих. Однако чувство драматического и склонность к нему могут быть развиты в неодинаковой степени

Обращаясь к драматическому, искусство не только изображает его в виде внешнего действия но раскрывает внутренний смысл столкновения сторон, передает напряжение борьбы идей и смены состояний. Поэтому драматическое начало выходит за пределы драматургии в эпические и лирические жанры литературы; точно так же оно не составляет прерогативу изобразительных видов искусства, охватывая вместе с тем сферу музыки. Подлинную стихию своего музыкального выражения драматического обрело в симфонизме, сформировавшемся в творчестве Л. Бетховена и П. Чайковского.

Полярной противоположностью драматического является идиллическое.

ГРОТЕСК (итал. gгottesco от grotta — грот) — художественный прием, получивший свое название от орнаментов, найденных при раскопках древнеримских подземных сооружений — гротов. В этих орнаментах фантастическим образом сочетались растительные и животные формы.

В искусстве этот прием имеет целью вызвать удивление, смех, поразить воображение при помощи деформации, фантастической комбинации реальных предметов и явлений, сочетания несовместимого, представления контрастов, ужасного, уродливого, нередко с шутовским оттенком.

Гротеск встречается как в изобразительном искусстве, так и в литературе. В художественной литературе он может носить сатирический характер (разговор мертвецов в рассказе «Бобок» Ф. Достоевского) и быть лишенным этого характера, например образ растущего под землей мертвеца в «Страшной мести» Н. Гоголя. Прием гротескного изображения реальных явлений использовался великими мастерами для правдивого и экспрессивного показа противоречий действительности (Д. Свифт, Ф. Гойя, Э. Т. А. Гофман, Б. Брехт, В. Маяковский и др.).