ДЕКАДЕНТСТВО (фр. decadence — упадок) — термин для обозначения упадочных явлений в искусстве, выражающих настроение общественного и нравственного «упадка» — отказ от гражданских идеалов и веры в разум, разочарование в жизни, погружение в сферу индивидуалистических переживаний и эротических увлечений, любование красотой увядания жизни и самодовлеющий эстетизм.

Во Франции конца XIX в. такие настроения были вызваны жестоким разгромом Парижской Коммуны и торжеством реакции (1871). Три крупнейших создателя французской поэзии «декаданса» — П. Верлен, А. Рембо и С. Малларме — были участниками революционного движения, обличали в своих стихах жестокости реакции и торжество мещанства, но в обстановке торжества реакции приходили к мрачным переживаниям:

Верлен с особенной силой в «Сатурнических поэмах»;

Рембо — в стихотворении «Пьяный корабль»;

у Малларме его разочарование в жизни выразилось в стремлениях к потустороннему (стих. «Гробница Эдгара По» и др.) и к «темной поэзии». Однако Верлен, Рембо, Малларме не называли себя «декадентами», они осознавали себя группой поэтов-символистов.

На этом пути в 1880 г. Малларме создает программу французского символизма (ряд его статей, составивших позднее сборник «Отклонение»).

Завершил этот процесс поэт Ж. Мореас, выдвинувший самый термин «символизм» и выступивший с прозаическим «Манифестом символизма» (1886). Таким же по духу был и бельгийский драматург, поэт и теоретик символизма М. Метерлинк.

В России конца XIX века в связи с поражением народничества и его внутренним идейным кризисом настроения общественного и нравственного упадка захватили некоторую часть интеллигенции и выразились в творчестве многих поэтов. Еще в 1880-х гг. Н. Минский, Д. Мережковский, затрагивая гражданские проблемы, разрешали их в духе пессимизма, нравственной подавленности и скорби, неверия в жизнь. В 1890 г. у этих поэтов начинают звучать мотивы некоторого оптимизма, но связанного с абстрактным эстетизмом и с гедонистическими стремлениями («Есть одна только вечная заповедь — жить в красоте, в красоте, несмотря ни на что…» — Мережковский). К ним присоединяется новая группа поэтов, развивающих подобные же мотивы: 3. Гиппиус, К. Бальмонт, Ф. Сологуб, ранний В. Брюсов. Они также выражают стремление к уединенности («В башне с окнами цветными замкнулся навсегда…» — Бальмонт), к уходу в фантастику («Хочется сердцу чудес. Грезится милый обман…» — 3. Гиппиус), в порочные, чувственные экстазы (Бальмонт пишет «Ворожбу» и «Шабаш», Брюсов — «Моя душа» и т. п.). Брюсов пытается соответственно перестроить и стиль поэзии, усложнив ее семантику («Фиолетовые руки на эмалевой стене полусонно чертят звуки в звонко-звучной тишине»). Он же создает три сборника произведений новых поэтов (1884—1895) — «Русские символисты»».

ГРАФИКА (греч. graphike от grарhо — пишу, черчу, рисую) — вид изобразительного искусства, в котором задачи образного отражения и познания явлений и предметов объективной действительности решаются с помощью рисунка. Основными средствами выражения замысла в графике являются линия, штрих, светотеневое пятно. Важную, но дополнительную роль играет цвет.

Способность передавать немногими выразительными средствами наиболее существенные, типические признаки явления или предмета сделало графику одним из наиболее эмоционально действенных, оперативных видов искусства (агитационный плакат, сатирический плакат и карикатура в творчестве В. Дени, А. Дейнеки, Кукрыниксов, О. Саэостюка, Б. Успенского).

Различается станковая, книжная, газетно-журнальная, промышленная и прикладная графика.

Станковая графика включает в себя произведения, имеющие самостоятельное художественное значение (тематическая композиция, портрет, пейзаж, натюрморт). Это рисунки или серии рисунков, а также эскизы, этюды, зарисовки с натуры. История изобразительного искусства знает имена выдающихся художников, давших замечательные образцы станковой графики (в русском и советском искусстве О. Кипренский, К. Брюллов, А. Иванов, П. Федотов, И. Крамской, И. Репин, В. Суриков, М. Врубель, В. Серов, А. Бенуа, Е. Кибрик, Д. Шмаринов, О. Верейский). Преимущественное значение в станковой графике имеют акварель, гуашь, пастель. В станковой графике выделяется эстамп — графический оттиск с созданной художником печатной формы. Сюда относятся гравюры (офорт, гравюры на дереве, металле, линолеуме и т. п.) и литографии. Все виды эстампа, кроме монотипии, могут широко тиражироваться, не теряя при этом художественной равноценности экземпляров. В русском и советском искусстве широкую известность имеют произведения А. Агина, И. Шишкина, А. Остроумовой-Лебедевой и др.

Большое значение имеет книжная графика (иллюстрация) и художественное оформление книг и газетно-журнальной продукции. Подобные произведения не только истолковывают, но своими собственными художественно-изобразительными возможностями могут широко дополнять образный строй текста, помогая слову претвориться в конкретно-чувственный образ и этим усиливая эстетическое впечатление от произведения. Широко признаны имена таких мастеров книжной иллюстрации, как В. Лебедев, В. Фаворский, Е. Лансере, Кукрыниксы и др.

Особое место в графике занимает плакат, активно использующий, кроме основных выразительных средств графики, цвет и графические шрифты.

В промышленной и прикладной графике (киноплакат, этикетка, почтовая марка, товарный знак и т п.) большое художественное значение имеет экслибрис — книжный знак, создаваемый художником и нередко соединяющий в себе характеристику личности и склонностей владельца книг, направленность собрания библиотеки и т. п.

Многоцелевое использование графики во всех сферах человеческой деятельности постоянно расширяется, рождая диалектические связи как между различными видами графики (станковая гравюра — экслибрис), так и видами изобразительного искусства вообще. Это повышает идейно-эстетическое значение искусства графике, делает ее важным фактором в удовлетворении художественных запросов общества.

БЕСПРЕДМЕТНОЕ ИСКУССТВО (абстракционизм) (от лат. abstractio — удаление, отвлечение) — упадочное направление в современном буржуазном искусстве.

У его истоков лежит творчество В. Кандинского и П. Мондриана, которые в начале XX в. определили два основных направления и метода абстракционизма: абстрактного экспрессионизма и геометрического абстракционизма.

Для первого характерна мысль о том, что искусство есть выражение внутренних состояний творческого «я», которое в конечном счете связано с абсолютным духовным началом. Поэтому искусство в принципе асоциально, оно должно, как считает Кандинский, «отворачиваться от опустошающего душу содержания современной жизни и обращаться к сюжетам и окружению, дающим свободный исход нематериальным устремлениям и исканиям жаждущей души» в беспредметном мире. Эти принципы наиболее полно были выражены в американском абстрактном экспрессионизме, достигшем расцвета в 40- 50-х гг XX в. в творчестве Дж. Поллока, М Тоби и др.

Второе направление — геометрический абстракционизм требовало от художника полного растворения своего «я» в акте творчества. В процессе проникновения в трансцендентальную сущность искусства происходило уничтожение индивидуальности художника. Вслед за Мондрианом, который в поисках всеобщей, универсальной сущности искусства боролся против перспективного видения предметов и мира, утверждал принципы плоскостной абстрактно-конструктивной живописи, его последователи довели до абсолюта геометрическое расчленение плоскости. Это направление, так же как и первое, отказывалось от решения каких либо социальных проблем.

Таким образом, если философско-эстетическим основанием первого был субъективный идеализм, то второй ориентировался на объективно-идеалистические концепции. В том и другом случае абстракционизм приводил к разрушению художественного образа, а следовательно, искусства, к отрыву его от социальных проблем современности. В этом наиболее ярко проявилась его классовая реакционная сущность, выражение интересов буржуазного общества. Опусы абстракционистов представляют собой сумбурное, хаотическое нагромождение линий и пятен (живопись) или конструкций из различных материалов (скульптура). Однако некоторые формальные поиски абстракционизма (сочетание цветов, конструктивное построение плоскости и др.) имели определенное значение для дизайна и промышленного художественного конструирования. В целом же беспредметное искусство стало выражением деградации современной буржуазной художественной культуры и в конце 50-х гг. потеряло популярность и влияние.

АКАДЕМИЗМ (от греч. akademos — мифический герой) — направление в изобразительном искусстве, характерное для европейских художественных школ XVI— XIX вв. Академизм возник в Италии. Первые его постулаты связаны с организованной братьями Карраччи в Болонье «Академией вступивших на правильный путь» (около 1585 г.).

Идеи и принципы, сформулированные художниками Болонской школы, легли в основу создания и функционирования академий многих стран (Парижской, Петербургской и др.), сыгравших положительную роль в художественной жизни этих стран. Они давали широкое образование, хорошо в них было поставлено преподавание техники рисунка, лепки, привлекались талантливые художники. Однако, вследствие утраты творческого начала, они позднее становятся тормозом прогрессивного развития искусства.

Академизм предлагает принять за образец, эталон выхолощенные идеалы и принципы искусства прошлых эпох (античности и Высокого Возрождения), требует от художников неукоснительного следования внешним формам классического искусства. Провозглашаются признанные неизменными каноны, искусственно извлеченные из художественной практики великих мастеров. Отсюда догматизм, ограниченность тематики, строгие рамки правил и предписаний, оторванность от актуальных проблем.

Сюжеты, заимствованные из библии, античной мифологии, древней истории, лишены признаков современности и национального своеобразия. Представители консервативного академизма вели непримиримую борьбу с другими художественными школами и течениями, не признавали многих великих художников, творчество которых не укладывалось в прокрустово ложе академизма. В XIX в. они насаждали казенное, далекое от жизни, эпигонское искусство элиты. Условность форм, рисунка, колорита, композиции, неестественные, театральные позы, жесты — таковы стилистические признаки академического искусства (Ф. Бруни, Ш. Лебрен, Г. И. Семирадский, поздние работы Д. Энгра, скульпторы А. Канова, Б. Торвальдсен). Российская Академия художеств середины XIX в. также преимущественно поощряла академизм.

Первые медали присуждались только картинам на мифологические и библейские сюжеты, соответствующие рутинным канонам академизма, что вызвало резкий протест группы художников («передвижников») Петербургской Академии художеств во главе с И. Н. Крамским.